Había una gran expectación en torno a él. Una expectación, en gran parte, alimentada por los singles que nos han presentado hasta ahora, «Mi festival», «De cine» junto a Sidonie y «La belleza que nos salvará» en colaboración con Julián Saldarriaga, guitarrista de Love Of Lesbian y de Mi Capitán. Pero ahora ya lo podemos decir alto y claro: las puertas del «Bobo Club» ya están abiertas y Conttra nos han invitado a conocerlo desde dentro, desde las entrañas. Así es como, señoras y señores, ¡el «Bobo Club» queda inaugurado! ¿Estáis listos para descubrir todos los entresijos que rodean a esta pequeña gran joya, formada por 10 canciones?
Sin duda alguna, con este «Bobo Club», Conttra inauguran una nueva etapa en su carrera, sumando a su vez un nuevo trabajo discográfico y continuando un poco con la estela que comenzaron a marcar con su álbum debut homónimo, que llegó a nuestra vida en 2016; y, por supuesto, con aquel EP llamado «2050», que vio la luz en 2018. Una nueva era que, más allá de la evolución natural que todos experimentamos, se ha apreciado en un cambio de lo más significativo: el cambio de idioma a la hora de componer. Y es que sí, en este nuevo disco, los podemos escuchar cantar en castellano, en vez del inglés al que nos tenían acostumbrados.
«Un manifiesto de actitud y comportamiento ante la vida. Y no solo ante la vida, también frente a la industria musical, la realidad social o las relaciones personales. Diez canciones que dejan atrás, pero no olvidadas, influencias más rockeras con vocación de llenar estadios, para evolucionar hacia terrenos más bailables, sofisticados y un puntito glam, con vocación de incendiar las pistas del Bobo Club, su nuevo hábitat natural».
Ahora, aprovechando que ya podemos disfrutar largo y tendido del «Bobo Club», hemos charlado un ratito con Conttra. Y nos han contado todo esto: ¿quieres descubrirlo?
Es una de las bandas que el confinamiento nos regaló y desde entonces, no hemos dejado de seguir su estela allá donde van. Se trata de los barceloneses Ocata, a los que conocimos gracias a su trabajo «9 historias y 1 mentira». Un disco especial en el que cada canción del álbum cuenta la historia de una persona que hemos conocido durante los dos años de composición antes de grabarlo, aunque solo una de estas diez historias era mentira. Un disco especial, del que hace unos meses nos contaron lo siguiente: «es el primer disco en el que nos hemos encontrado un poco con el tipo de música y el tipo de letras que queremos hacer. Lo que queremos hacer es música pop, pura y llanamente. Y, sobre todo, contar historias».
Ahora, siguiendo la promesa que nos hicieron de que durante todos estos momentos complicados no dejarían de crear y componer, Ocata regresan y continúan desgranando este fantástico «9 historias y 1 mentira». Es por eso por lo que nos han presentado la nueva versión de «Madrid o Barcelona», un tema con mucha relevancia para la banda y que se alza como el último episodio de este disco. No han querido estar solos en la revisión de esta canción, por lo que han contado con la colaboración de Cala, una joven y talentosa artista, cuya voz empasta a la perfección con la del propio Vicenç.
Si todavía no habéis tenido la oportunidad de escuchar esta canción, vio la luz el pasado 19 de febrero en todas las plataformas digitales. Por supuesto, llegó acompañada de un especial y emotivo videoclip, que reúne diferentes imágenes de ambas ciudades y del proceso de grabación del tema, en el que volvieron a los estudios de Santos&Fluren. Sin duda, un diamante en bruto que con esta nueva revisión adquiere una dimensión completamente diferente, al sumarse en este caso, la voz de Cala.
Apenas tiene unos días de vida. Fue este mismo viernes 24 de abril cuando el álbum debut de Ocata vio la luz: «9 Historias y 1 Mentira» ya es nuestro y es una verdadera joya. 10 historias que llegan pisando fuerte, que llegan para transportarnos a otro lugar, para evadirnos. Y todo gracias al trabajo intenso y a ese toque mágico que han añadido los propios miembros Vicenç Pedret (guitarra y voz), Kevin Halfon (bajo y coros), Pepe Montero (guitarra solista y coros), Roger Moreno (batería), y la quinta Beatle de este proyecto, Ashley Garrido (manager). El pasado jueves, a escasas horas de que viera la luz este debut, pudimos charlar un ratito por teléfono con Vicenç sobre este gran proyecto llamado Ocata y sobre el inminente «9 Historias y 1 Mentira». Y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «9 Historias y 1 Mentira»?
«9 Historias y 1 Mentira» es el primer disco que grabamos de una tacada, ya que nos encerramos durante seis meses para poder crearlo, darle forma y buscar un concepto. Y es que queríamos grabarlo y grabarlo bien. De hecho, comenzamos a hacer canciones y de inicio compusimos unas 20, aunque al final nos quedamos solo con 10. Entonces yo creo que es el primer disco en el que nos hemos encontrado un poco con el tipo de música que queremos hacer y con el tipo de letras que queremos hacer. Lo que queremos hacer es música pop, pura y llanamente. Y, sobre todo, contar historias. De hecho, los temas de este disco están basados en historias que le han pasado a personas cercanas a nosotros, que hemos escuchado o que nos han llegado de rebote. Aunque hay una que nos hemos inventado. Así que el título sale un poco de aquí: hay nueve historias y una mentira.
¿Cuál es la mentira?, ¿se puede saber o tenemos que adivinarla?
Pues a mí me gusta mucho contar de qué van las canciones, pero en este caso, lo dejo en el aire, para que cada uno la pueda deducir.
¿Por qué dar cabida, concretamente, a estas diez historias?
Pues nosotros intentamos siempre darle una vuelta a todo, fijarnos en los pequeños momentos que lo hacen todo distinto. Por ejemplo, hay una canción que se llama «Tío Carlos», que está inspirada en el tío de Pepe, nuestro guitarra; que es una persona brillante y fue drag queen. Una historia diferente, a la que hemos querido darle cabida y que es preciosa. Y así con todas, la verdad: tratamos de hablar de temas comunes como el amor, la pareja o la importancia de viajar, pero queremos hacerlo siempre de una manera diferente.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este disco?
Pues normalmente, la idea inicial de la canción la saco yo con Pepe, guitarra de la banda. Entonces cuando vemos que una idea funciona con una o dos guitarras, se la llevamos al grupo, a Kevin y a Roger, que son bajo y batería. Y ya entre todos terminamos de darle forma a todo. Ese es un poco nuestro método de trabajo, tanto con la música como con las letras. Con el tema letras, soy yo el que lleva las ideas de los versos y ya entre todos, vamos definiendi, qué se entiende, qué no, qué queda bien, qué queda mejor. Es un poco la manera que hemos encontrado de trabajar y que nos va bien. Aunque curramos mucho con la mentalidad de: «vamos a hacer 10 y nos quedaremos luego con 1».
¿Cómo fue el trabajo de producción con Santos&Fluren?
Fue muy, muy guay, porque son gente a la que hemos admirado siempre por su trabajo y por los discos que han producido: de Love Of Lesbian, de Sidonie, de Izal, de Joan Dausà, de Ruidoblanco. Entonces, cuando nos escribieron y nos dijeron que sí que querían trabajar con nosotros, pues nos emocionamos. Y es que claro, son gente tan conocida y tienen tanta carga de curro, que primero te piden que les mandes tu maqueta y luego ya te dicen si pueden o no pueden trabajar contigo. Y fue muy bien, además también fuimos muy abiertos: es lo que había que hacer. No habría tenido mucho sentido ir a trabajar con Santos&Fluren y luego decirles: «no, este disco se va a grabar como nosotros queremos». Así que nosotros estuvimos muy abiertos a que metieran mano a las canciones y verdaderamente nos ayudaran. Y, la verdad, es que fue muy guay porque creo que supieron ver muy bien la esencia de cada canción y nos guiaron muy bien con todo: con lo que quedaba mejor, con lo que quedaba peor. En definitiva, estuvimos un mes trabajando con ellos y fue muy bien, terminamos muy contentos con todo el trabajo. De hecho, tenemos anécdotas con ellos que, de verdad, no olvidaremos. Por ejemplo, hubo un día que estuvimos grabando hasta muy tarde y, en un momento, con la canción «Quiero Más», Fluren nos dijo: «¿Os importa si esta guitarra acústica la grabo yo? Que tengo muchas ganas». Por supuesto dijimos que sí, porque para nosotros era un honor contar con él y con toda su experiencia.
«Viajar», «Mis 30», «Yo Robot» y «Quiero Más» han sido los primeros adelantos de este disco. ¿Por qué escoger estas canciones como presentación del álbum?
Pues mira, sin quererlo, nos lo hemos repartido bastante. Porque al final, todos estamos encantados con el disco, pero tenemos predilección por alguna canción en concreto. «Viajar» es el tema preferido de Pepe; «Mis 30», aunque no es mi favorita, siempre me ha parecido como el single claro; «Yo Robot» a Roger le encantó y es su favorita; ya de «Quiero Más» es la canción de Kevin. Así que, sin quererlo, ha quedado así.
El disco ve la luz en apenas unas horas, ¿cómo os sentís?
Pues la verdad es que la sensación es un poco extraña, porque nosotros teníamos ya los planes de cómo sería el lanzamiento del disco. De hecho, teníamos previsto tocar en la Antigua Fábrica de Estrella Damm para presentar este «9 Historias y 1 Mentira». Entonces es como que teníamos muchos planes que, por las circunstancias, no hemos podido realizar. Así y todo, estamos muy emocionados por el lanzamiento del álbum, ya que llevábamos como año y medio trabajando en él: los seis meses de composición, el mes de grabación y el año pensando en todo el concepto, más allá de lo musical (fotografía, videoclips, estrategia de lanzamiento). Así que, en definitiva, estábamos ya con muchas ganas de sacarlo: nosotros lo que queríamos es que la gente lo pudiera escuchar ya, que lo pudiera disfrutar. También lo que a nosotros nos gusta es que la gente escuche el disco como los escuchamos nosotros: te lo pones de una tacada, lo vuelves a escuchar en el coche, te vas enamorando de una canción, descubres otra que no te gusta y, de repente, cambias. Así que, bueno, estamos muy emocionados, en definitiva.
Hablabas de todo el concepto no musical del disco y justo queríamos preguntar por lo que es el arte del disco. ¿Cómo surge todo ello?
Pues otro avance que hemos hecho con este disco es que hemos contado con la colaboración de Rocío Larrumbide, que ha sido nuestra directora creativa. Y es que nosotros nos hemos dado cuenta de que la música, guste o no guste, es mucho más que música. Partiendo de esa base y sabiendo que somos música pura, tomamos la decisión de incorporar a alguien más en el equipo, que diera o completara el proyecto con la parte más visual. Y la verdad es que el trabajo con Rocío ha sido genial, porque enseguida captó la esencia: enseguida se le ocurrió la idea de crear diez personajes para cada una de las canciones y como darles vida, que fueran de carne y hueso. Además, junto al equipo de La Bemba también se encargó de conceptualizar el videoclip. Al final, creo que el concepto visual que creó para el disco quedó muy chulo. Refleja muy bien lo que es la otra cara de «9 Historias y 1 Mentira», lo cual, para nosotros era algo muy importante.
¿Cómo ha evolucionado Ocata desde aquel primer EP, «Cara B»?
Pues muchísimo. De hecho, la sensación que tenemos todos es de evolución. Y es algo que se ve, en primer lugar, en cómo nos creemos todos este proyecto. Hace cuatro años, Ocata era un grupillo y sí, tus amigos te preguntaban: «Ay, ¿qué tal?». Y nuestra sensación ahora es de orgullo máximo. Un orgullo que se ha traducido en que nosotros seamos más perfeccionistas y en que hayamos decidido hacer una gran apuesta, rodeándonos de grandes profesionales, en todos los sentidos y en cada una de las áreas. Todo ello ha hecho que, por ejemplo, pudiéramos contactar y empezar a trabajar, a su vez, con Music Bus, que son quienes nos representan. Creo que todo eso empieza por trabajar mucho nosotros y por sentirnos orgullosos del proyecto.
Especialmente en los momentos que estamos viviendo, ¿creéis que la música es un elemento curativo?
Yo creo que sí, 100%. Y no solo creo que la música cure. En el caso de la nuestra, considero más bien que tiene como el don de trasladarte a otro lugar, de coger tu cabeza y llevarla lejos de donde está, de hacer que se evada. Todo eso, gracias a que te voy a contar una historia que, por un momento, te va a alejar de tu casa, del tráfico, de la situación que estés viviendo. Así que sí, creo que la música tiene esa habilidad de trasladarte sin ni siquiera moverte, especialmente ahora que no podemos movernos de casa.
A pesar de toda esta incertidumbre, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Ocata?
Pues ahora mismo, nosotros seguimos componiendo. Estamos aprovechando esta cuarentena para seguir creando, además de para prepararnos para empezar a tope cuando regrese la época de conciertos. Y otra cosa que vamos a hacer es recompensar a toda la gente que nos está apoyando de alguna manera especial, preparándoles pequeñas sorpresas. Queremos cuidarlos y darles las gracias de alguna manera.
¿Qué canción de Ocata define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Uf, qué difícil [risas]. Me la tengo que pensar, ¿eh? Pues yo igual te diría que la canción que mejor define Ocata en estos momentos es «Yo Robot», porque habla de un futuro un tanto surrealista, que es un poco lo que estamos viviendo en estos momentos. Y es que si alguien, hace un año, nos dice lo que estamos viviendo ahora mismo, no nos lo hubiéramos creído. Pero bueno, estamos intentando aprovechar al máximo esta situación, aunque no sea la que nos hubiera gustado vivir. A su vez, esta también es una canción que a los cuatro nos encanta.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues la verdad hay varias [risas]. Yo hay una a la que le tengo cariño, pero en realidad no debería. Y es que, bueno, cuando un grupo está empezando, hay veces que tiene que hacer conciertos en los que no te ve nadie. Y eso nos pasó en marzo del año pasado en Mollerussa y no había absolutamente nadie: además, fue un jueves, que nosotros trabajábamos, nos pegamos dos hora de viaje, tocamos para cuatro personas y nos volvíamos, porque al día siguiente teníamos que volver al trabajo. Fue un momento complicado pero también es una situación que te une como grupo, porque si superas eso, significa que ya puedes superar cualquier cosa. Además, son cosas que ponen a prueba la banda. Es una locura, pero al final, forma parte del proceso y merece la pena.
Todavía no hace ni una semana que salió el nuevo disco de Triángulo Inverso. Pero ya está aquí «Seres en Movimiento», como un verdadero rayo de luz, para enamorarnos con todas y cada una de las diez canciones únicas y personales que recoge. Y es que, amigos, nos encontramos ante el mejor disco de los madrileños: el mejor y el más intimista. Precisamente, el mismo día del lanzamiento (el viernes 24 de enero), nos encontramos en Barcelona con Manu y Gabri Muñoz y con Jose Arriero. Aprovechamos para hablar del disco, de música y de muchas otras cosas más.
¿Cómo os sentís ante el lanzamiento de este «Seres en Movimiento»?
Manu. Estamos muy contentos porque ayer lo presentamos en las oficinas de nuestra distribuidora, de Altafonte. Y la verdad es que desde el principio la energía fluyó de una manera bestial. Ya se notó en la grabación que iba a ser un disco muy alegre, y tras esta pequeña primera presentación, ya notamos esa magia. Esperamos que siga creciendo, creciendo y creciendo, y que se convierta en un monstruo.
¿Cómo surge el concepto de «Seres en Movimiento»?
Gabri. Pues lo empezamos a hacer en 2018. Nada más terminar el primer disco, nos dimos cuenta de que queríamos hablar de temas mucho más cotidianos nuestros y ver los diferentes puntos de vista que teníamos respecto a lo que es la vida para nosotros en estos momentos. Fue entonces cuando nos dimos cuenta de que «Seres en Movimiento», como concepto, era lo que más pegaba con lo que queríamos. Como resultado, tenemos diez pequeñas historias que hablan precisamente de eso, de seres que se encuentran en movimiento. A veces estamos arriba, a veces estamos abajo, pero siempre usamos el movimiento como una plataforma, como un altavoz.
Manu. Para hablar del momento de tu vida en el que estás. Creemos que son diez historias que te van a contar cosas reivindicativas e incluso esperanzadoras, en el sentido de que hay algo nuevo en lo que creer. En definitiva, son vivencias con las que nos podemos sentir identificados todos: momentos en los que te sientes atrapado y frágil, otros en los que te crees el puto amo y estás en movimiento, e incluso otros en los que te enamoras de la gente. De hecho, «Seremos Luz», habla un poco de eso, de la energía y de la luz que te transmite la gente.
Precisamente, escuchando el disco, me ha dado la sensación de que es más introspectivo que los anteriores. Aunque ya habéis dado alguna pincelada, ¿hasta qué punto es así?
G. Sí, hemos sido más egoístas, hemos querido hablar más de cómo estábamos nosotros y del punto vital en el que nos encontrábamos, con nuestros 20 y tantos años. Que al final, es extrapolable a cualquiera, porque las situaciones que contamos están un poco enmascaradas con metáforas. Aún así, este «Seres en Movimiento» sí que es un disco muy personal, muy muy nuestro. No deja de ser nuestra particular visión de cómo es el mundo, de cómo lo vemos nosotros.
Siguiendo un poco el hilo sobre el mensaje y su importancia, ¿creéis que a la música, a las canciones, les falta ese poder de transmitir?
M. Sí, vivimos en una sociedad en la que hay tantas canciones que transmiten cero, que a nosotros sí que nos gustaría un poco coger la bandera de «oye, tenemos algo que decirte». En ese sentido, creemos que este disco es mucho más humano y va conectar mucho mejor con la gente, porque al final, transmitimos unas vivencias, unos momentos. Y la música no deja de ser un escaparate de todos ellos.
¿Cómo ha sido trabajar con Santos&Fluren en este disco?
Jose. La verdad es que ha habido una gran diferencia respecto a «Golpe y Efecto». Ya solo el haber viajado hasta Barcelona para grabar el disco es un punto a favor y es que la ciudad es protagonista en nuestras canciones. Sí que es cierto que este «Seres en Movimiento» se ha visto envuelto en una frescura muy particular, que «Golpe y Efecto» no tenía Luego, el trabajo con Santos&Fluren ha sido increíble. Muchas veces, a la gente le puede parecer un poco fría la figura del productor, pero nada que ver. Nosotros, nada más llegar, conectamos al instante con ellos, que son dos personas muy cercanas. Así que fue como grabar el disco con dos amigos más. Además, la forma que tienen ellos de trabajar es muy particular y nos llamó mucho la atención: al principio, sí que estábamos todos juntos trabajando, pero después nos dividimos en dos grupos y comenzamos a trabajar por separado. Son geniales, la verdad.
Gabri. La verdad es que el disco no se puede entender sin ellos. Es muy importante reivindicar la figura del productor, porque quizás desde fuera no se aprecie demasiado. Y este disco es tan nuestro como de Santos&Fluren. Han hecho un trabajo maravilloso y han sacado lo mejor de nosotros.
«Seres en Movimiento» y «Universos y Planetas» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué y cómo surge un poco la idea de este último clip?
G. Pues en el imaginario de Triángulo Inverso había dos facetas que sabíamos que queríamos mostrar. Una de ellas era la de «Seres en Movimiento» como hilo conductor del disco. Y la otra era de «Universos y Planetas» como el contrapunto, como otro modo de entender la música, mucho más festivo, de intentar disfrutar mucho más. Ya a nivel audiovisual, estuvimos trabajando desde el principio, en todo el concepto que queríamos construir. Sí que es cierto que videoclip solo hay uno, el de «Seres en Movimiento»; el otro clip que hay de «Universos y Planetas» es un videolyric, aunque lo replanteamos y para nosotros es más un «karaoke band« [risas].
M. Es como un «karaoke lyric» [risas]. Hemos decidido cantar todos los temas y reformular el tema de los videolyric, que hemos visto que a la gente no le gusta mucho eso de poner la portada y la letra de la canción. Así que grabamos todas las canciones con un croma y ahora que ha salido el disco, iremos publicando poco a poco.
G. Claro. Al final es que también es importante que la gente te ponga cara. Y los videoclips sí que los vemos como algo más artístico, que tenga un simbolismo. De hecho, en el de «Seres en Movimiento», recurrimos mucho a la naturaleza, al bosque, como camino hacia lo desconocido, hacia un sueño. Sin embargo, en el videolyric lo que queremos es que la gente nos ponga cara, nos vea, disfrute y cante con nosotros.
Hablando de todo este concepto, ¿cómo surge todo el arte del disco?
M. Pues, a través de nuestra agencia, nos pusimos en contacto con Fernando Mercé, porque es muy amigo de Rebeca, una de las compañeras de nuestra oficina. A partir de ahí, nos reunimos con él y desde el minuto 1 se quiso involucrar mucho con el proyecto. Se ha empapado mucho del disco y nos hizo dos propuestas que nos encantaron: por esa mezcla de elementos, como los triángulos; por esa introducción de formas como más mecánicas; esa sensación de movimiento; todo nuestro imaginario con los planetas. Definió muy bien lo que queríamos y lo que somos. Es una obra de arte y ha conseguido que merezca la pena comprarse el disco.
¿Cómo ha evolucionado Triángulo Inverso?
G. La verdad es que cada vez estamos más compactos y vamos hacia una profesionalización, porque vamos tocando mucho más. Creemos que la evolución está siendo muy constante, de hecho, si escuchas ahora nuestro primer EP y nuestro último disco, se aprecia. Sí que es cierto que ahora nuestro sonido está mucho más trabajado y hemos introducido nuevos elementos. Pero aún así, sí que sabes que somos Triángulo Inverso, no vamos dando bandazos. Lo que estamos buscando es eso: enamorar a la gente con el concepto que estamos construyendo en cada uno de nuestros discos y, sobre todo, en los directos. Porque somos una banda de directos: al final, somos cinco tíos tocando, lo cual es un poco complicado a día de hoy por cómo se consume música y por el tipo de música que se consume.
J. De hecho, es que es curioso lo rápido que se queman las canciones a día de hoy en plataformas como Spotify. Que sí que es verdad que yo soy el primero que peca un poco de eso. Así y todo, nosotros queremos mostrar este pack de diez canciones, con sus diez historias, sus videoclips, sus videoclyrics y sus artes. Queremos mostrar este «Seres en Movimiento» como concepto.
¿Y qué queda de los Triángulo Inverso de «Cromatismos»?
M. Pues todo. Hemos hecho una evolución y un crecimiento natural de nosotros mismos. El primer gran cambio fue la incorporación de Pepe tras «Cromatismos», lo que supuso ya un gran paso hacia delante. Nos van interesando muchas más cosas, se va sumando más gente al equipo. Al final, somos cinco tíos locos por la música que quieren contar cosas, mediante la música.
Próximos pasos de Triángulo Inverso.
G. Tocar mucho.
M. Sí, tocar mucho y seguir, ya que no nos ponemos techo. Hacerlo creo que no nos ayudaría nada. Estamos muy contentos con este disco, porque creemos que es el mejor que podíamos sacar. ES un disco que tiene diez historias increíbles, que esperemos que conecten con la gente.
Un escenario en el que tocar.
El del FIB. Y Madrid también: un DCODE no estaría mal.
Un escenario al que volver.
Sonorama.
Un artista con el que tocar.
Con FOALS o Alex Turner [risas] o con Love Of Lesbian o Sidonie
Artista o banda que hayáis descubierto recientemente.
J. Low Roar
G. Ocata
M. Creo que ya no hacen nada juntos, pero diré Viola Beach
Último concierto en el que hayáis estado
Llevamos una temporada de monjes que apenas salimos [risas]. Pero creemos que el último concierto fue el de Jack Bisonte en Madrid.
Canción de Triángulo Inverso que defina el momento en el que estáis
«Eufórico Equilibrio», porque empieza el mundo, se comienza a mascar. Es una canción muy esperanzadora, la verdad.
Mayor locura cometida por la música
Pues recorrer siete ciudades en siete días seguidos [risas]. Bueno, hubo una cuando estábamos grabando el disco: vinimos desde Ojén (Málaga) hasta Barcelona, pasando antes por Madrid. Salimos a las 9 de la mañana y llegamos a las 2 de la mañana. Y claro, llegamos diciendo una de tonterías [risas]
Cuando en los conciertos de despedida de La Raíz, nos anunciaron aquello de «Nos volveremos a ver», no mentía. Ha pasado cerca de un año desde la banda que nos ha marcado, de una manera u otra, a más de uno, se despidiera en Madrid por tiempo indefinido. Desde ese momento, hemos visto como desde la matriz han ido germinado y creciendo nuevas ramas, nuevas bandas.
Precisamente, hace apenas unos días llegó a nuestras vidas Ciudad Jara, el proyecto personal de Pablo Sánchez, el que fuera compositor y vocalista de La Raíz. Y es que aunque ya se intuía, especialmente desde que comenzara de nuevo a publicar misteriosos vídeos en redes sociales, no sabíamos nada de lo que se traía entre manos. Ahora, más allá del nombre, también sabemos que 2020 arrancará con fuerza, porque es cuando verá la luz su primer álbum.
«Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar».
¿Qué sabemos de Ciudad Jara?
Hacia un nuevo lugar nos transportará Pablo Sánchez con Ciudad Jara y su primer álbum, que está ya comenzando a fraguarse en los estudios de Casa Murada de Tarragona y bajo los mandos de Santos&Fluren y Tato James. De hecho, ya nos han mostrado los primeros vídeos e imágenes de este proceso, en el cual el artista y compositor valenciano, se ha rodeado de músicos de primer nivel.
Un proceso creativo y compositivo que tendrá como resultado una docena de nuevas composiciones. Todas ellas cultivadas y mimadas al detalle, durante meses. Unas canciones que viajan y nos trasladan desde la poesía hasta la sátira social, y pasando también por la canción popular. Una paleta de colores y sonidos, que se mezclarán con esa sensibilidad y esa carga lírica que tanto caracterizan a Pablo Sánchez. Rock, rap, pop e incluso country y funk conviven y coexisten a la perfección.
Un paso al frente, la primera piedra de un proyecto que comienza a relucir, a brillar. Y es que poco a poco, iremos conociendo nuevos detalles de esta banda, que comenzará el próximo 2020 con un álbum y una gira bajo el brazo. ¡Mucha atención!
¿Dónde estáis?
No recuerdo ya esas manos, y aquel cielo de banderas.
¿Dónde estáis? os echo en falta.
Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar.
En ella se levanta el vaso y el puño.
En ella cabe la locura de remate.
Todo tenía un por qué.
Un viaje a un lugar nuevo.
Un destino del que tú también formas parte.
Bienvenidos a Ciudad Jara.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este disco?
Hablabas de todo el concepto no musical del disco y justo queríamos preguntar por lo que es el arte del disco. ¿Cómo surge todo ello?
Precisamente, escuchando el disco, me ha dado la sensación de que es más introspectivo que los anteriores. Aunque ya habéis dado alguna pincelada, ¿hasta qué punto es así?
Hablando de todo este concepto, ¿cómo surge todo el arte del disco?