Hay personas que están destinadas a dedicarse por y para el arte desde que son bien pequeños. El caso de Álex Rosales es uno de ellos. Nacido en Santa Ana (California) y criado en Indianápolis (Indiana) en el seno de una familia de origen mexicano, el artista creció respirando arte en casa. Fuertemente influenciado por la música tradicional de su país y con un ímpetu por experimentar con nuevos sonidos, con apenas 11 años compuso su primera canción. Una primera experiencia que hizo que encontrara en la música su mejor refugio. Lo demás, se sucedió de manera muy inaudita. Apenas dos años después de este primer momento, con 13, ya estaba actuando en multitud de locales tocando con otros músicos que le doblablan la edad. Ese fue el germen, el punto de partida para que descubriera el R&B, género que le cambió la vida y que ha marcado todas y cada una de sus composiciones actuales, siendo «Contigo» el último tema que nos ha regalado.
Una nueva canción con la que demuestra aún más su increíble versatilidad vocal, pero también lírica. A medio camino entre el inglés y el español, el artista y multiinstrumentista nos regala un adictivo tema que está repleto de bajos pulsantes y ritmos que recrean el arte de un himno R&B. Fiel a su esencia y estilo, Álex Rosales se asienta como uno de los compositores más prometedores y asentados de nuestro panorama, referente de todos aquellos que tienen el placer de conocerlo y descubrirlo, aunque muy especialmente de la comunidad latina. Y es que ese medio millón de streams que acumula en todas las plataformas digitales, no son en balde. De hecho, están más que merecidos y justificados.
Sin duda alguna, «Contigo» es una canción que marcará el inicio de una nueva etapa para Rosales, de la que él mismo quiso hablarnos en primera persona. Y es que hace algunos días, tuvimos el enorme placer de realizar una entrevista con él. ¿Quieres saber todo lo que nos contó? No te pierdas ni un detalle.
Decir adiós nunca ha sido fácil, porque siempre supone desprenderte de alguien a quien amas. O a quien has amado. Un acto de lo más temido, un acto que requiere de mucha valentía y fuerza. Soltar, aceptar el dolor que provoca sentir que algo llega a su fin y que no hay vuelta atrás. Así y todo, no hay nada que no cure el tiempo. O que no calme mínimamente la música. Eso Alima lo sabe bien. De ahí que recientemente nos haya regalado una canción tan sumamente mágica como lo es «Dejarme ir». Sin duda alguna, una preciosa manera de aprender a despedirse de las diferentes etapas de la vida, pero todo ello a ritmo de R&B.
Con esta canción, es cierto que nos muestra la cara más amarga de este proceso. Amarga, pero necesaria para sanar. La lealtad que supone hacia unx mismx el dejarse ir, la valerosa decisión de soltarse de alguien y buscar tu nuevo propio camino. Porque duele que te dejen marchar, pero también duele dejar marchar. Un proceso de lo más complejo, pero del que quisiéramos sacar la parte positiva. Y es que ojala todas las despedidas sonaran igual que «Dejarme ir». La canción ideal para ponerse en bucle, especialmente en los momentos más nostálgicos de nuestra vida.
De esta manera, la artista ecuatoriana afincada en Barcelona, da un paso al frente y nos avanza un nuevo tema. Un tema único que, junto a los anteriores adelantos («Cómemela», «Anestesia» y «Trap Romantic»), formará parte del que será su primer álbum en solitario, «Soy la primera». Un disco en el que lleva trabajando bastantes meses y que verá la luz el próximo 18 de febrero, a través del sello discográfico Clvb de pesca.
Un disco con el que iniciará una nueva etapa musical, pero también vital. Y es que tras casi media vida dedicada a la música, con varios proyectos y bandas a sus espaldas, la quiteña Camila Terán afronta a sus 31 años un nuevo y apasionante capítulo de su carrera, en el que regresa rebautizada como Alima. Un proyecto en el que la artista y compositora da rienda suelta a su versión más intimista, vulnerable y carnal, dejándose llevar por sus influencias más marcadas y personales en clave soul, R&B, funk y pop. Un proyecto que ha tomado un cariz mucho más importante tras su llegada a Barcelona, ciudad en la que está comenzando a echar raíces.
Después de conocer todos estos detalles sobre Alima, solo podemos hacer una cosa: afirmar fervientemente cuán enamoradas estamos de este proyecto musical. Decidnos que os ha pasado lo mismo que a nosotras.
Juventud, pasión y unas ganas infinitas de romper con todo. Así es el artista y compositor Dieggi. Considerándose a sí mismo ciudadano del mundo, lleva en su mochila personal miles de experiencias, historias e influencias procedentes de todo el mundo. Vivencias y personas conocidas a lo largo de este camino llamado vida. Un conjunto de todo que se termina reflejando en su música.
¿Quién no ha sufrido en alguna ocasión por una ruptura sentimental? Todos hemos sido víctimas (y verdugos) del dolor y la tristeza que supone despedirse de alguien. Todos hemos estado alguna vez bien jodidos por culpa del amor.
Precisamente, bajo este importante prisma, el joven artista nos acaba de regalar «Bien jodido». Una canción que relata el sentimiento desgarrador de alguien que acaba de sufrir una ruptura amorosa y cuya ex pareja muestra completa indiferencia ante la situación, sin considerar la historia que vivieron. Esta canción mezcla una melancólica letra junto a sonidos urbanos y música negra, entregando un resultado fresco con el que el oyente se puede identificar y a la vez disfrutar.
Un tema doblemente especial, no solo por lo que significa para el propio Dieggi, también por ser la primera que nos presenta. El inicio de su carrera en solitario empieza aquí, con este adelanto y con la necesaria e inquebrantable ayuda de Fura, productor e incondicional compañero de batallas del joven cantante y compositor. Cerrando filas en este equipo, también encontramos a Miriam Boó, Jorge Ayllón y Abraham Gutiérrez, quienes han trabajado mano a mano con el artista.
El inicio de todo lo que está por llegar. Y es que, sí, amigos, se viene mucha más música. Pero poco a poco. Mientras ese momento llega, Dieggi quiere disfrutar del camino. Momento perfecto para sentarse y recordar la entrevista que le hicimos hace algunos días. ¿Quieres saber más sobre este proyecto?
Después de una creciente y meteórica carrera que surgió en la ciudad condal, Digo Detroit están de vuelta. Se avecina un nuevo trabajo, bajo el nombre de «Cosas que nunca veremos y siempre explicaremos». Un trabajo que podremos escuchar en breves, pero mientras tanto, para matarnos el gusanillo de la curiosidad, podemos disfrutar del primer single de este tercer disco. Un single que, cómo no, viene acompañado de una espectacular videoclip, que verá la luz hoy mismo. «Trendencia» ya está en la calle: ya es nuestro, ya es vuestro, ya es de todos.
Todo lo que implica «Trendencia»
Como primer single de este inminente trabajo, «Trendencia» marca una nueva dinámica de la banda, creada en Barcelona allá en 2012. Y es que desde ese momento, han pasado ya siete años y Digo Detroit ha evolucionado, adaptándose a los nuevas sonoridades y estilos.
«Trendencia», single grabado en Estudios Reno con Luca Petricca a los mandos, se alza como un grito contra una sociedad autómata, absorbida por el ego y la tecnología. Unas actitudes que nos atrapan y encadenan, impidiéndonos vivir la vida, vivir la realidad. Todo ello se refleja y se complementa con el videoclip que, con una ambientación totalmente futurista, ya ha supuesto ya una verdadera revolución. Y es que en apenas 24 horas, ya acumula más de 20.000 reproducciones.
Un primer adelanto que, sin duda, nos da señales de cómo sera el resto del álbum. Se observa muy bien el cambio de la banda, esa capacidad de adaptación y de, por supuesto, sorprendernos. Seguimos observando esas influencias del R&B americano, mezclado con el pop-rock más independiente. Sin embargo, se aprecia un gran cambio en lo que respecta a la sonoridad: Digo Detroit regresan con un sonido más directo y contundente, en el que los sintetizadores envolventes adquieren una nueva dimensión. De esta manera, los barceloneses están virando hacia una progresión instrumental, que no descuida la contención para, finalmente, llegar a un crescendo reivindicativo.
Llevan cinco años de meteórica carrera. Pero no todo les ha caído del cielo. Si Aurora & The Betrayers están ahora mismo donde están, es gracias a su trabajo constante. «Tune Out The Noise» se alza como su tercer trabajo. Un álbum que, hasta el momento, es el más maduro y personal de la banda liderada por Aurora García.
Os conocéis en 2013, han pasado cinco años y ya tenéis una legión potente de fans. ¿Cómo habéis vivido este ascenso y cómo habéis evolucionado vosotros en el proceso?
Ha sido un proceso atípico, porque nos conocimos de una manera extraña, porque nos juntamos gente que no nos conocíamos de nada. Entonces, desde el primer disco que no sabíamos lo que íbamos a hacer, hasta que nos encontramos en este tercer disco, ha sido todo muy intenso. Creo que no nos hemos dado cuenta aún de todo lo que nos ha pasado. Si bien es cierto que hemos trabajado mucho y que nos ha costado mucho encontrar nuestra propia identidad. Estamos siendo conscientes ahora. La realidad es que hemos publicado tres discos en cuatro años. Ha sido todo muy rápido e intenso.
Nosotros hemos cambiado también mucho como personas y hemos aprendido mucho. Bueno, y lo seguimos haciendo.
Con «Vudú» quisisteis romper un poco con la etiqueta del soul. ¿Por qué?
Porque yo venía de hacer soul con Freedonia, mi anterior banda. La gente ya me conocía por hacer ese tipo de música. Bueno, y los Betrayers también habían cultivado mucho este género. Entonces, la gente se crea ese estigma cuando creas una banda nueva y se piensa que el nuevo proyecto irá por ahí. Y está bien, porque siempre será una pata importante del banco, pero no mola que te etiqueten, y más en este país.
Entonces, desde el primer momento tuvimos claro que íbamos a hacer lo que quisiéramos. Obviamente, el primer disco tenía que ser un poco más ortodoxo. Pero desde que lo grabamos, supimos que queríamos evolucionar y no ponernos etiquetas a nosotros mismos.
Ahora estáis con «Tune Out The Noise». ¿Cómo surge el concepto de este álbum?
Pues otra vez igual. Surge por la necesidad de evolucionar y de buscarnos a nosotros mismos. Creo que este disco es un poco más de todos. En el primer disco se respetaba un poco más de dónde venía yo, para que no me quebrase la cabeza en dos partes, porque era difícil para mí enfrentarme a tantos estilos. Poco a poco, hemos ido aportando cada vez más. Y este disco, quizás sea más de los cuatro Betrayers oficiales.
Además, entran en juego más influencias actuales. Así que, en este sentido, también sentimos que hemos madurado. Y nos vemos más capaces de hacer cosas nuevas, completamente distintas a las que hayamos hecho nunca. Creo que es un disco que, con tantas influencias, tiene sentido. Eso es algo que te da la madurez. Una madurez que estamos consiguiendo ahora.
¿De ahí que sea el disco más personal hasta el momento?
Sí, claro. Personal porque reúne un poco lo que somos todos. Todavía tiene estilos que pueden recordar a Bowie o los Doors. Pero ya empieza a ser algo más personal. Tú ves a Aurora & The Betrayers en directo y sabes que son Aurora & The Betrayers.
¿Qué dos o tres palabras definen el disco?
Preciosista y, quizás, más denso. Y también más maduro. Al final, estoy contrastando con los anteriores.
Este disco apuesta más por la importancia de la canción. ¿Por qué?
Es un poco la mentalidad del pop. Lo que queremos es darle importancia a la canción, con su estrofa, su estribillo y con el estilo. Si empiezas a componer una canción, con unos tintes determinados, ella manda. Es el propio tema quien nos pide hacia dónde ir. Y nosotros vamos detrás. Es un poco lo que queremos reivindicar.
Nosotros tratamos de huir de las etiquetas, no nos gusta quedarnos en lo mismo. Al final, a nosotros mismos nos gustan las canciones de mogollón de artistas.
¿Qué os atrajo entonces de la música negra y cómo la reinventáis?
Bueno, nos atrae la música negra y también la música blanca. El pop y el rock blanco también nos influencia mucho. Hablamos de The Beatles, de David Bowie, de Led Zeppelin. Lo que pasa es que se nos quedó esa cosita del primer disco y la música negra. Todos hemos escuchado tanto música negra como blanca, no es una cuestión de color. Aunque al final, la gente lo encasilla. Quizás, mi voz sí. Porque me he formado mucho en ese estilo. Y se asocia un tipo de voz a un género concreto.
En cuanto a qué aportamos al género, creo que más bien es la música negra la que nos aporta. Siempre estará en nuestra música, nosotros cogeremos ese estilo y trataremos de hacerlo nuestro. Al final, es lo que le pasa a muchas bandas, coges de aquí, coges de allá, pero siempre respetando al máximo. Aurora & The Betrayers está en medio del pop, del soul, de muchos estilos. Es lo que queríamos. En realidad, me siento un poco lejos de esa pregunta, porque no estoy en ese punto con respecto a la música negra.
¿Qué tipo de respuestas estáis recibiendo con este disco?, ¿está cumpliendo con vuestras expectativas?
La respuesta es un poco opuesta a lo que esperábamos. Creíamos que la gente se iba a asustar. De algo más fácilmente escuchable como el pop o el soul, hemos pasado a un estilo mucho más denso. Las canciones hay que escucharlas más veces, son más oscuras y profundas. Supongo que hemos perdido público, pero hemos ganado mucho más. Creo que estamos atrayendo con algo más magnético, que es la personalidad.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Aurora & The Betrayers?
Nosotros no paramos de componer nunca. Hemos sacado un disco y ya estamos pensando en el siguiente. Eso es guay. Pero nuestro mayor esfuerzo está puesto en la gira, que acaba de comenzar y se extenderá durante el próximo año. Ya están saliendo muchos bolos fuera de España, que es también lo que queríamos. Aquí nos está yendo muy bien, pero cantar en inglés también te da una perspectiva más internacional.
¿Algún sitio del extranjero que no hayáis visitado y que vayáis a ver con esta gira?
Sí, pero ya de cara al año que viene. Iremos a Alemania, Países Bajos, Francia. Hay bastantes más conciertos que el año pasado. Es muy buena señal.
¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?
Dejarlo todo. Es la realidad. Al final, estás fuera de absolutamente todo y te quedas con la gente que más te quiere. Cuando estás tanto por algo, se convierte en toda tu vida. Prácticamente, no haces nada más. Yo con el tiempo, me he ido quitando otros trabajos y ahora, prácticamente solo me dedico a esto. Esto es lo que he querido durante toda mi vida. Y si no piensas de esa manera, no podrás conseguirlo nunca, al no ser que tengas suerte o te descubra alguien.
Luego, otra locura fue crear el proyecto con los Betrayers y firmar un contrato con ellos, sin conocerlos previamente de nada. Una locura que, hasta el momento, creo que ha sido la mejor decisión de mi vida.
Anaut regresa. Con sus particulares influencias de soul, R&B, folk y rock. Pero también con toques distintos. Con ese afán de experimentar y de sentir la libertad en sus pieles, nace «Hello There», su reciente puesta de largo. El disco lleva apenas unos días en la calle, pero su nombre ya resuena. Y más que lo hará, porque ahora toca girar, girar y girar.
¿Cómo surge «Hello There»?
Nace tras acabar la gira de «Time Gones On». Decidimos hacerlo los cuatro músicos del grupo, de manera muy libre, trayendo ideas muy variadas. Buscando nuevos caminos, saliendo de lo clásico y explorando nuevas vías. Y aquí estamos.
¿Cómo afrontáis el despegue de este nuevo disco?
Con muchas ganas y cariño. Aunque también un poco expectantes: estamos deseando ver qué pasa y cómo lo acepta la gente. Pensamos que es un cambio. Y como todos los cambios, te deja el «gusanillo» ahí en el estómago.
¿Qué expectativas tenéis?
Las mejores posibles. Es un cambio, una evolución. En ningún caso es una ruptura. Estamos muy ilusionados y los conciertos van a ser muy divertidos.
¿Cómo se produce esa evolución en el sonido?
Probando, arriesgando, dejándonos llevar bastante. Este disco, lo hemos hecho como «soltando los perros». Arriesgándonos y no censurándonos para nada. También nos hemos dejado llevar mucho por la experiencia y por las cosas que pasan en los conciertos. En esta última gira, nos hemos sentido más libres para experimentar e improvisar sobre el escenario. Al final, cosas que probábamos en directo y que veíamos que funcionaban, las trasladábamos al estudio.
Toda esta evolución, os ha permitido desarrollar un sonido propio. ¿Cómo definiríais el sonido Anaut?
0% intelecto y 100% intuición [risas]. En realidad, en este disco se empieza a ver, pero el sonido Anaut todavía se está desarrollando. Las influencias están claras, pero estamos en ello, seguimos buscándolo. Es todo un poco ensayo-error. Pero de cualquier manera, la libertad y el pasarlo bien, siempre deben ir por delante.
Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?
Rock and Roll [risas]. «Hello There» viene un poco por eso, por decir «hola, aquí estamos». No rompiendo con lo anterior, pero tratando de marcar nuestro camino.
Al final, entre unas cosas y otras, te acaban encasillando, pero tú quieres seguir teniendo la libertad para hacer lo que quieras. Y este disco va un poco por ese camino.
Entendemos entonces que, en cierto modo, huis de las etiquetas.
Para lo malo sí, para lo bueno no [risas]. Eso tiene un punto positivo, que es darte a conocer en una escena concreta o en ciertos festivales. Pero, en realidad, nosotros no hemos dejado de hacer la música que queremos. Y eso que somos músicos que tenemos influencias diversas. Al final, nuestra música no es música de género, tiene muchos matices.
¿Por qué apostar por la auto-producción?
Nosotros apostamos por el trabajo en equipo. Nos gusta tener el control sobre la música que hacemos y tenemos a personas que nos ayudan en determinados ámbitos (comunicación, booking, etc). En este disco, nosotros hemos grabado antes en nuestro estudio, para saber a lo que nos enfrentábamos. Después de eso, nos hemos dedicado a completarlo en varios estudios.
«I will see you again» fue el primer adelanto. ¿Por qué?
Nos encantaba. Además, fue la primera canción que mezclamos. Era la que más clara teníamos y también era la más diferente, en comparación al segundo single, que es «The Difference». Nos apetecía que el primer adelanto fuera un reflejo de lo que estamos haciendo ahora.
¿Cómo afrontáis la gira y qué esperáis?
Ahora mismo estamos ensayando el disco nuevo en el local. Tenemos muchas ganas de empezar con la gira y lanzarnos a la carretera. También tenemos la esperanza de ver público nuevo, además de los clásicos, que nunca fallan.
El día en el que Víctor Sánchez (voz y guitarra), Borja Fernández (bajo), Alejandro Sierra (piano y órgano Hammond), Jorge Rodríguez (guitarra) y Miguel Galván (batería), crearon Memphis Train, nadie esperaba que se convirtieran en una de las bandas referentes del R&B en España. A día de hoy, con su segundo álbum en la calle, «Beatin’ Around the Blues», los madrileños están inmersos en esta nueva gira. La primera cita, el próximo 17 de marzo en el Intruso Bar de Madrid.
Pregunta. ¿De qué manera se conocen Memphis Train?
Alejandro Sierra. Varios de los miembros nos conocemos desde varios años. Víctor y Borja llevan tocando unos 9 años juntos en muchos proyectos. Más tarde me conocieron a mí, Sierra, hace unos 6 años. Hace cosa de 2 conocimos a Jorge y poco después a Miguel, para llevar un año y medio con esta formación.
P. ¿Qué tiene el R&B que no tenga otro género?
AS. Exactamente no sé qué puede tener respecto a otros géneros, va en función de gustos. A nosotros nos gusta porque es un género divertido, bailable, con mucho trasfondo y mucha personalidad por su estrecha raíz con la cultura y la sociedad.
P. ¿Qué supone para vosotros estar entre la programación de los clubes de música negra más importantes del país?
AS. Para nosotros supone un orgullo, porque es lo que nos gusta, lo que nos motiva y lo que mejor sabemos hacer.
P. ¿Cómo surge este segundo álbum, «Beatin’ Around the Blues»?
AS. Este nuevo álbum surge como el primero No buts, no maybes, de nuestra necesidad de seguir creando y contando historias. Somos una banda dinámica, no nos gustar estar quietos.
P. ¿Y cómo fue ese proceso creativo y compositivo del nuevo álbum, teniendo en cuenta que estabais inmersos con «No buts, no maybes»?
AS. Fue un proceso natural, durante un largo tiempo de gira las ideas van surgiendo, y ya sólo es cuestión de ponerlas en común y ‘ponerlas bonitas’ entre todos.
P. ¿No os hubiera gustado descansar un poco entre una gira y otra? Porque están bastante juntas las dos.
AS. No, como ya dije antes somos una banda dinámica e inquieta. Nos gusta estar constantemente trabajando y tocando, así que no tenemos problema en eso.
P. ¿Cómo definiríais «Beatin’ Around the Blues» en dos o tres palabras?
AS. Es un disco personal, más elaborado y bastante elegante.
P. ¿Por qué es en este disco en el que encontráis vuestro sonido y vuestra identidad?, ¿en este sentido qué diferencias existen respecto al anterior trabajo?
AS. Con No buts, no maybes éramos primerizos. Casi su creación fue un impulso, aunque estamos muy contentos con ese disco, porque de alguna manera puso el germen a lo que vendría después. Beatin’ Around the Blues ha estado más tiempo en la «cocina», es más elaborado.
P. ¿Qué supone para vosotros presentar el disco en El Intruso el próximo 17 de marzo?
AS. Bueno, para nosotros es un orgullo y un placer presentar Beatin’ Around the Blues en casa. Además de que El Intruso es un lugar espléndido. Solemos tocar mucho más fuera de Madrid, así que va a ser especial.
P. Después de Madrid, ¿cuál es el siguiente paso de Memphis Train?, ¿seguiréis girando?
AS. Por supuesto, ese es el plan, nuevo disco y gira.
Afincado en China desde hace un par de años, el artista español Fer Rivero ha conseguido arrasar en el país con sus espectáculos, en los que mezcla música, baile y acrobacias. Con tan solo 23 años y con el deseo de ser profeta en su tierra, ha conseguido un enorme éxito en las principales plataformas de internet. Ahora, presenta en Vevo su último videoclip, My world is yours, preámbulo del que será su primer álbum.
Pregunta. ¿Cómo empieza Fer Rivero en el mundo de la música y de la actuación?
Fer Rivero. Desde pequeño siempre he tenido mucho interés por el escenario, jugaba con mis amigos a que era un artista circense y coreografiaba las fiestas de fin de curso en el colegio, pero no vi mi talento real hasta que empecé a destacar como gimnasta ganando competiciones con altas notas en la rama artística y posteriormente como bailarín y coreógrafo, donde comencé a estudiar canto como un extra. Desgraciadamente nunca era suficiente para mí y no veía que mi voz mejorara, por lo que me centré más en el área danza. Un día mis alumnos me escucharon cantar y me recomendaron que siguiera y me grabara, reanimando así el fuego que la música despierta en mí. Fue así como creé junto a uno de mis mejores amigos mi primera canción, y esta tuvo mucho más éxito y repercusión que cualquier coreografía creada hasta la fecha.
P. ¿Cuánto tiempo llevas viviendo en Hong Kong?, ¿cómo está el panorama musical en China?
FR. Llevo casi dos años viviendo entre Hong Kong y Guangzhou, China. Definitivamente la música en Asia es distinta, sobre todo en China, aunque sí escuchan música internacional (en gran parte americana). Es muy complicado que te acojan como un artista en Asia si no cantas en alguno de los idiomas chinos o no representas algunos de sus valores en tu música.
P. ¿Ha cambiado dicho panorama desde que vives allí?
FR. Sin duda ha mejorado, creo que el panorama en sí no ha cambiado, pero mi punto de vista y cómo promoverlo hacia el público asiático sí, hablar su idioma y su cultura, contar con la comunidad extranjera y que mis canciones sean en inglés ha ayudado mucho. Ha sido como escribir un libro. Al principio nadie sabía qué esperar, ojeas pero no sabes si seguir, tras varios capítulos ojeando, ya te has enganchado y has empatizado con el protagonista. Abrirme personalmente hacia el público asiático y que vean mi lucha y constancia por conseguir mis sueños es sin duda lo que les hace querer escuchar mi música y apreciarla de una manera que nunca había pasado al principio.
P. ¿Qué te ha aportado personal y musicalmente tu estancia en China?
FR. Personalmente, muchas lecciones de vida. Pasarlo tan mal en los comienzos y empezar una vida nueva desde cero fue un reto durísimo, pero contar con dos grandes ciudades como Guangzhou y Hong Kong con tantísimo apoyo y trabajo, es sin duda una clave para mi futuro. Musicalmente me ha dado todo, tiempo para estudiar, dinero para invertir, puntos de vista distintos, personas de todo el planeta con influencias de distintas culturas, historias que contar, sonidos e imágenes que quiero plasmar en mi música y sobre todo «pasión».
P. ¿Qué supuso para ti participar en los programas So you think you can dance o la versión española Fama a Bailar!?
FR. So you think you can dance fue un golpe de humildad en mi vida, una lección sobre cómo la honestidad y el amor por la danza pueden hacer muchos más amigos que el ego y el conocido «amiguismo». Ser seleccionado de entre más de 10.000 personas para mostrar tu talento y ser tratado con tanto respeto seas profesional o novato, me hizo ver que sí merece la pena todo el esfuerzo.
Fama a Bailar me dio la fuerza sobre el escenario, la seguridad y la confianza en mí mismo; sí he de admitir que me faltaban muchos factores representados en el programa británico pero el que fuera distinto me hizo sacar el «alma» que llevo dentro.
P. Tu música oscila entre el pop, R&B, jazz y rap. ¿Por qué mezclar estilos tan diferentes?, ¿qué los hace especiales?
FR. Creo que en la mezcla está la innovación, mezclar puede salir muy bien o muy mal, pero en el caso de que salga bien, puedes encontrarte a ti mismo. Soy un tipo de persona que no puedo escoger una sola cosa, así que ¿porqué no tenerlo todo en la cantidad exacta? Creo que ese toque de versatilidad y riesgo hace de mis canciones un estilo más variado y una nueva opción musical a tener en cuenta.
P. ¿Y por qué, además, mezclar en los videoclips, tus propios temas con las acrobacias?
FR. La acrobacia ha sido una parte única en mi vida, no solo para bien, también he vivido etapas muy oscuras como gimnasta, pero sobre todo he aprendido a ser responsable y a trabajar duro, ser aún capaz de que mi cuerpo se mantenga en forma y de realizar acrobacia tanto en aire como en suelo me mantiene metafóricamente hablando «con los pies en tierra».
P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar el vídeo de tu canción, My world is yours?, ¿cómo fue ese proceso de grabación?
FR. He de admitir que me sentí cómodo, normalmente me complico mucho para grabar un videoclip, esta vez quería centrarme en la canción, creo que la canté en directo más de 30 veces durante el rodaje, fui yo mismo y amé la canción cada vez que grabábamos. Por primera vez sí siento que transmito de manera real la canción mediante el vídeo, da igual el sitio, da igual la ropa, da igual el color, soy simplemente «yo» ofreciendo mi mundo a quien esté dispuesto a abrazarlo.
P. ¿Puedes avanzar algo de tu primer LP, más allá de este tema?
FR. Claro, el álbum tiene estilos distintos, no quiero que las canciones suenen iguales, quizás algunas te hacen bailar y otras te hacen pensar, el conjunto sin duda va a ser el 100% de lo que siento. Canciones como How Clever Is Your Brain van a rondar el estilo de My World Is Yours, mientras que otras canciones como In Love With You serán más comerciales y bailables. Por supuesto he añadido también algunas canciones como Sense to my Life donde expreso lo más profundo de mí con un piano y una base, espero que el público sienta esas canciones como yo lo hago.
P. Vendes tus temas en plataformas musicales y posteriormente, la recaudación la destinas a proyectos solidarios. ¿Es importante que los artistas muestren también su potencial humano?
FR. Para mí es muy importante ver más allá de la imagen comercial del artista, creo que un artista representa mucho más que su música o una marca y si realmente quieren ayudar a otros en proyectos solidarios, van a tener mi respeto y admiración. Siempre he querido mejorar la sociedad y aunque suene utópico, creo que con la música y la caridad puedo comenzar un movimiento más grande.
P. ¿Hace falta más humanismo en el mundo del arte en general, y en el de la música, en particular?
FR. Sí, creo que el dinero recolectado en el mundo del arte está mal distribuido en parte por culpa de los artistas, llega un momento en el que muchos se centran más en vender su producto que en ser ellos mismos y si consiguen ganar dinero con ello, suele ser para lujo y gastos innecesarios, destinar una mínima parte de ese dinero que se gana a crear algo mayor para otras personas a ellos no les ocupa nada y les puede llenar mucho más que cualquier gasto material. En la música es fácil perder nuestra propia esencia, querer llegar a ser ese producto que otros quieren, olvidar de donde venimos y el objetivo principal que queríamos conseguir. Temo que algún día deje de ser como soy ahora por culpa del éxito.
P. ¿Han sido la gimnasia y la música tus vías de superación personal, ante las dificultades que has ido teniendo a lo largo de tu vida?
FR. Sin duda al 100%. La gimnasia, la música y la danza han sido entrenamientos intensivos para mí, física y mentalmente. Cada vez que surge un problema, he sabido superarlo y ver más allá. Los obstáculos van a aparecer siempre, somos nosotros los que decidimos cuánto sufrir por ello. Gracias a las ‘’piedras’’ que he ido apartando del camino durante mi formación, ahora siento que soy capaz de conseguir todo lo que me proponga, da igual si es complicado o la pérdida que requiera, siempre me recuperaré más fuerte que cuando comencé.
El año 2012 fue clave para el nacimiento de la banda barcelonesa «Digo Detroit». Felipe Cedeño (voz, guitarras y sintes), Pilar Rodríguez (voz y sintes), Javier Areste (bajo) y Jordi Vergara (batería y percusiones) son los componentes de este grupo, que surgió tras la disolución del proyecto «Sweater». Un año después de publicar su disco debut «Reflejos», regresan a los escenarios con el EP, «Ascendente».
Pregunta. ¿Cómo nace Digo Detroit?
Felipe. Después de varios años en Sweater y por su disolución por inquietudes, me apetecía hacer algo diferente. Tenía claro que quería un dueto para las voces y buscar un sonido más nostálgico y actual a la vez, así que empecé a buscar a los mejores músicos que conocía para ver si les apetecía ser parte de este proyecto.
Con Javi (bajo) ya había tocado varios años y Jordi (batería), que había tocado con Javi en otros grupos, se unió rápidamente. La última en aterrizar fue Pilar (voz y teclados), con la que estamos muy en sintonía y con quien fue muy fácil compenetrarnos.
P. ¿De dónde viene ese nombre?
F. La verdad es que el nombre del grupo fue una decisión muy difícil, los mejores nombres ya están cogidos así que buscar uno no fue fácil. Al final las soluciones se presentan solas. Mientras estaba sentado en un bar de Barcelona tomando un café, en el grupo de Whatsapp iban escribiendo: «yo Digo…», otro «yo Digo…». Iban surgiendo varias opciones y justo delante de mi había un cartel de baseball de Detroit. Y finalmente salió «Digo Detroit».
P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias?
F. Cada uno tiene los suyos, pero los Beatles, Radiohead, Portishead, Massive Attack y Unkle, están en la lista.
De los Beatles, destacamos las melodías, son brillantes y nosotros creemos que las melodías son cruciales para los temas. De Radiohead y Portis, su vanguardismo, su crudeza y su afán de evolución, además de su obsesión por un sonido único. De Massive Attack y Unkle, el ser unos grandes de la música electrónica y el trip hop han influenciado la atmósfera que buscamos, el tipo de clima que queremos crear con nuestros temas
¿Qué palabra o palabras identifican a Digo Detroit como banda?
F. Unión , experimentales , introspectivos , soñadores
P. ¿Qué estilo musical os definiría mejor?, ¿pop, rock alternativo?
F. Una fusión entre pop rock, música electrónica y trip hop/R&B con tintes del indie nacional.
P. ¿Qué importancia tienen las letras en vuestras canciones?
F. Las canciones del disco quieren trasmitir nuestro estado interior, lo que sentimos, lo que compartimos de una forma individual, pero siempre buscando llegar a quienes nos escuchan. Ellos son nuestro ascendente.
Las letras son importante porque giran en torno a sentimientos intensos, más concretamente, en torno al momento en que esos sentimientos crecen, ascienden en intensidad.
P. ¿Qué supuso vuestro álbum debut, «Reflejos»?
F. «Reflejos» fue el punto de partida, fue probar un nuevo proyecto y ver que era algo sólido, creíble. Nos dio la fuerza para creer en esto y poder evolucionar en nuestra música. «Reflejos» fue un disco concebido a base de recapitulación de temas que se habían ido haciendo en una etapa anterior, pero que no vieron la luz. Ahora con «Ascendente» hemos encontrado nuestro sonido y nuestro lugar.
P. Ahora habéis publicado el EP, «Ascendente», el cual habéis autoproducido. ¿Qué ventajas tiene la autoproducción?
F. Lo mejor de la autoproduccion es que controlas todo, desde el sonido, los tiempos de salida de un trabajo, con quién quieres trabajar a la hora de grabar o masterizar. Lo peor es la inversión económic,a pero no todo va ser perfecto. La verdad es que por ahora nos ha ido muy bien con esta fórmula.
Digo Detroit ASCENDENTE
P. ¿Qué hace diferente este trabajo del anterior, por ejemplo?
F. En cuanto al sonido, teníamos claro lo que queríamos: unas bases solidas y contundentes, que se mezclaran lo mejor posible con melodías indie pop y con un toque electrónico. La verdad es que llevábamos mucho tiempo queriendo hacer algo así y creemos que ahora es el momento.
P. ¿Hasta qué punto las canciones de «Ascendente» son autobiográficas?
F. Hasta el punto más objetivo. Todas la letras son autobiográficas de momentos que hemos vivido o padecido, y sinceramente cualquier persona se puede sentir identificada o al menos eso creemos. ¿Quién no ha querido a algo o alguien alguna vez?
P. ¿Cómo ha sido trabajar con Aleix Sans e Yves Roussel?
F. Un experiencia magnifica, sobre todo por el cariño que tienen y ponen en su trabajo. Entienden perfectamente hasta donde quieres llegar y qué quieres conseguir. Claramente si tuviéramos que repetir, contaríamos con ellos
P. ¿Cómo definiríais «Ascendente»?
F. «Ascendente» tiene muchas lecturas. Mientras trabajábamos en los temas, muchos nos transportaban, por su sonido a un lugar elevado. También las letras giraban en torno a sentimientos intensos, justo en el momento en que esos sentimientos crecen y ascienden en intensidad. Por otra parte, algunos riffs y sonidos de ascendente son de inspiración oriental, por lo que nos pareció que el título ascendente conectaba con esa referencia, pues tus ascendentes, según la filosofía oriental, marcan tu personalidad de forma intrínseca. Nos pareció que conectaba con el tono introspectivo el disco.
P. ¿Por qué ciudades tenéis pensado pasar con este nuevo trabajo?
F. Por ahora hemos hecho Barcelona y Madrid para presentar el nuevo trabajo. En el 2016, confirmaremos más fechas por España, que tenemos ya prácticamente cerradas. Con suerte también iremos a algún festival.
P. ¿Podéis hacer un ranking con las que consideráis que son las 5 mejores canciones?
Compositora y cantante. Ella es Elena Iturrieta, Ele. Con una mezcla de folk, soul, rhythm and blues y góspel, la artista aterriza en el panorama musical con su primer trabajo Summer Rain. Pero, ¿quién es Elena? “Sencillamente soy yo. No hay caretas ni máscaras. Pienso que cuando sacas adelante un proyecto tan personal, como para mí es la música, lo que haces es mostrarte cómo eres”.
Entrar en el mundo de la música
La educación y la música van de la mano en la vida de Elena. Aunque no ha dejado de hacer su trabajo, el ámbito artístico se ha ido haciendo hueco en su día a día. “Poco a poco, me fui dando cuenta de que disfrutaba mucho con la música”, cuenta la artista. Pero aun necesitaba un último empujón, ese que termina siendo decisivo, el que hace que elijas un camino u otro. “De hecho, cuando entré en este gran mundo, me dije: a ver qué pasa”, añade. La suerte nunca viene sola, pero con su talento, el éxito fue llegando. Pablo Cebrián se encargó de la producción del primer trabajo de Ele, Summer Rain. “Pablo me ha apoyado mucho, porque desde el principio supo lo que quería, lo que necesitaba y me ayudó a mejorar. Una vez terminado el disco, me ofreció firmar con Arcadia Music y acepté”, cuenta Elena. “La verdad es que con esta discográfica, me ha tocado la lotería. En todo momento han respetado mis decisiones como artista”, asegura.
Las influencias
No estancarte en un estilo musical. Esa es la clave del éxito de muchos artistas, músicos, compositores o cantantes. Dejarse llevar por melodías y letras diferentes: da igual soul, pop, rock o heavy. Lo importante es escuchar canciones que te transmitan alguna sensación. “Lo realmente importante es tener tu propia manera de hacer las cosas. Lo que te rodea, lo que escuchas y lo que vives es lo que termina influyéndote”. Ele ha evolucionado con un repertorio que va desde Leonard Cohen a Bruce Springsteen. Esta versatilidad a la hora de escuchar música, convierte el trabajo de Elena en una enorme confluencia de géneros.
Summer Rain
“Este disco es muy especial, porque es el primero que compongo. Tenía muchas ganas de grabarlo y publicarlo”, cuenta Elena Iturrieta. Un trabajo muy cuidado, con unas letras y unas melodías igual de importantes. Cada canción es un mundo. En Positivity y A Thousand Miles Away From You, el coro góspel se convierte en el máximo acompañante de Ele. Daniel and Charlie destaca por sus influencias del jazz de Nueva Orleans, también conocido como dixieland. Otros temas como Calling You, cantado a capella, reflejan el dolor humano ante las pérdidas. “Me encantaría que la gente escuchara Summer Rain y sacara sus propias conclusiones”, anhela la artista. Sin duda, un disco del que no se puede hablar. Sencillamente, hay que sentarse a escuchar.
Afincado en China desde hace un par de años, el artista español Fer Rivero ha conseguido arrasar en el país con sus espectáculos, en los que mezcla música, baile y acrobacias. Con tan solo 23 años y con el deseo de ser profeta en su tierra, ha conseguido un enorme éxito en las principales plataformas de internet. Ahora, presenta en Vevo su último videoclip, My world is yours, preámbulo del que será su primer álbum.
P. ¿Qué te ha aportado personal y musicalmente tu estancia en China?
P. ¿Y por qué, además, mezclar en los videoclips, tus propios temas con las acrobacias? 
P. Vendes tus temas en plataformas musicales y posteriormente, la recaudación la destinas a proyectos solidarios. ¿Es importante que los artistas muestren también su potencial humano?
El año 2012 fue clave para el nacimiento de la banda barcelonesa 
P. ¿Qué estilo musical os definiría mejor?, ¿pop, rock alternativo?
P. ¿Por qué ciudades tenéis pensado pasar con este nuevo trabajo?
