Superados sus primeros conciertos en Sevilla, Valladolid, A Coruña, Barcelona y el primero de los sold-out en Madrid, llega Inazio más que dispuesto a seguir rompiendo esquemas con esta primera gira en solitario. Es comprensible cuando te metes de lleno en su universo sonoro y descubres todo lo que tiene que mostrar. Porque otra cosa no, pero el artista navarro tiene algo que engancha. Quizás sean esas letras tan veraces, tan reales, tan sinceras y repletas de tanta sensibilidad. O quizás sea esa sonoridad que transita a través de los diferentes matices del indie-folk, pero también de la electrónica. Y es que otra cosa no, pero sus canciones son sinónimo de viaje emocional y de intensidad.
En este sentido, su canción «Olivia» ha sido la mejor demostración de ello. Una canción llena de emoción, una oda a los efímeros y apasionados amores de verano que llegan con fuerza, pero terminan por desaparecer igual de rápido que aparecen. ¿Cómo capturar la esencia de los encuentros fugaces?, ¿cómo hacer que esa intensidad permanezca contra todo pronóstico y a pesar del tiempo? Sólo Inazio sabe cómo hacerlo, sólo Inazio sabe cómo plasmarlo en una canción, sólo Inazio sabe como transmitirlo en sus directos. Concretamente, en este recién estrenado Tour «Bailando sobre el agua».
Tal es así que conseguir verlo en directo, se ha convertido en un acto prácticamente heroico. Y es que desde que debutara en solitario en el escenario de el Jardín de las Delicias o en el del Café Comercial, no ha dejado de sumar citas y ciudades, acumulando con ello carteles de entradas agotadas. Honestamente, no conocemos a nadie que se lo merezca más que él. Tanto que hoy, a punto de celebrar la segunda de las noches en el Teatro Barceló de Madrid, justo un día después de arrasar con todo por primera vez, aprovechamos para publicar la entrevista que le hicimos hace algunos días. Era viernes y apenas quedaba un día para su primer aterrizaje en la Ciudad Condal. Desde aquí, sólo podemos dar las gracias por haber podido conocer el proyecto en primera persona. Ahora, sabemos exactamente dónde resude su poder y su magia.
Con una voz preciosa y con un talento que cruza fronteras, y que son capaces de hacernos viajar a través del tiempo y del espacio, Andrea Santiago da un paso al frente y presentar su nueva canción «La claridad». Una declaración de intenciones, una luz en nuestro interior, poco más de tres minutos de verdad y realidad constantes. Una esencia que forma parte ya de la artista navarra y que no hace más que regalarnos su arte, mientras da pasos adelante. Y es que, precisamente después de haber publicado su genuina y maravillosa versión de «Lucha de gigantes» de Antonio Vega, era el momento perfecto para regalarnos esta nueva píldora e inaugurar su nueva etapa vital y profesional.
Un ciclo que culminará con la llegada de su inminente segundo disco, «Éxodo». La primera muestra de estas doce canciones que formarán el álbum y que se adentrán sobre una tema tan complejo y peliagudo como el abandono. Eso sí, excrito en todo momento desde la propia necesidad de dejar ir. Un nuevo proyecto del que se sabemos que se ha juntado con los hermanos Borja y Nacho Muerza y de la magnífica producción de Juanma Latorre, quien ha sido el contrapunto perfecto de Andrea, al brindarle esos sonidos maduros y contundentes, que necesita la sensibilidad de la compositora.
Un trabajo discográfico en el que Andrea ha dado un salto de gigante con respecto a su primer «Prenderle fuego a todo» y del que muy pronto sabremos más detalles. Por lo pronto, disfrutemos de «La claridad». Un tema repleto de metáforas y que es signo del cambio personal, además de mostrar cómo el movimiento ha sido la clave de este mismo avance. «Hay una luz fuera de mí que se coló por la cicatriz, yo solo tenía que moverme hacia delante, yo solo tenía que dejar de intentar despertarme y abandonar el litoral», reza la canción. Una pequeña gran obra de arte que, en palabras de la propia Santiago, simboliza dejar el agua que aparecía en el que fuera su debut, para conectar con la tierra y con el cuerpo. Un proceso de expansión que nos irá desvelando por capítulos durante todo este año, hasta la publicación final del álbum.
No siempre es fácil ser mujer dentro de la industria. En realidad, no es nada fácil ser mujer en una sociedad en la que desigualdad impera. Y es entonces cuando espacios como el Ribera Sound se convierten en esenciales. Y es que poner de manifiesto todo el talento femenino que hay dentro de la música, se nos da muy bien. Porque otra cosa no, pero artistazas tenemos muchas y saber que las podremos ver y disfrutar en Tudela, es una auténtica maravilla. Así que apuntad desde ya las fechas. Del 15 al 17 de julio, tenemos cita importante con Amaia, Rozalén, Natalia Lacunza, Ana Tijoux, Sofía Gabanna, MARLENA, Chica Sobresalto, María Blaya, Miss Raisa, Paula Mattheus, Andrea Santiago y Anne Lukin. Además de con las DJs y productoras AWWZ, Cristina Casado, DREA, HITO, NIKKA, XUNE y Zaira Sánchez.
«Es importante la presencia de mujeres en los festivales para compensar la discriminación negativa que ha sufrido la mujer durante la historia. Por eso necesitamos que incentiven que el porcentaje sea más igualitario. Es un orgullo tremendo formar parte de un festival compuesto íntegramente por mujeres» – Rozalén.
¿Necesario, cierto? Y es que sí, el Ribera Sound se ha convertido en el primer festival de gran formato que apuesta por un cartel 100% de artistas femeninas para visibilizar, reconocer y ensalzar su indiscutible calidad musical dentro de una escena que todavía acusa una gran desigualdad. Su papel en esta industria es transversal y por tanto, su lugar debe estar encabezando carteles o como artistas emergentes por descubrir, de las que todo el mundo hablará el día de mañana. «Este es un proyecto que teníamos en mente desde hace tiempo fruto de la frustración ante la que nos encontrábamos por la dificultad que puede suponer equiparar los nombres masculinos y femeninos en los carteles», explica Mario Cornago, director del ciclo musical.
Además, es importante destacar el impulso que ha querido dar el Ribera Sound, no solo por el talento femenino, también por el talento de cercanía. Con un porcentaje del 50% de artistas navarras, el festival pretende apoyar el crecimiento de la sólida escena musical de la comunidad.
«Estoy muy contenta de que se haga un festival de música donde solo actúen mujeres y que encima sea en Navarra y que yo vaya a estar en él» – Amaia.
Un cartelazo de escándalo, que nos ha dejado con las ganas de que de repente sea ya julio. Así que, desde aquí, os animamos a que estéis muy pendientes, porque mañana viernes 11 de febrero se ponen a la venta los abonos del festival. A partir de las 12.00 horas, os esperamos en la página web del Ribera Sound (riberasound.com). ¿Quién se apunta a este plan increíble?
Viajar hasta Navarra es mucho más fácil si lo hacemos gracias a la música de La Niña Hilo. Un proyecto de lo más especial y personal que descubrimos hace muy poquito tiempo y que nos tiene locas ya. Desde el mismo momento en el que llegaron a nuestras vidas, no hemos conseguido salir del bucle, y no es para menos.
La historia de La Niña Hilo se remonta diez años atrás, cuando comenzaron su andadura y se pusieron a trabajar en el que fuera su primer álbum de estudio «Prólogo», que vio la luz en 2012. Disco rudo y muy rock, que dio paso dos años después a su nuevo álbum «A la espera» (2014), con el que consiguieron muy buenas críticas. Numerosos escenarios y múltiples ciudades recorrieron con su música. Y en pleno apogeo y ansias compositivas, la banda navarra irrumpió de nuevo en 2018 con su reciente «Family», con el que nos mostraron una cara completamente diferente a la que nos tenían acostumbrados. Tres años desde ese último momento y ya estamos ansiosos por escuchar lo que estña por llegar. Con un nuevo trabajo discográfico en camino, por el momento estamos más que felices con el single que nos han presentado, llamado «Las fuerzas del mal». Pero no solo eso, porque hace algunos días también pudimos escuchar en exclusiva y en un formato mucho más acústico su nuevo tema «No lloro».
El principio de todo lo que está por llegar, sin duda alguna. Y en medio de toda esta locura y estas ansias por acelerar el tiempo, hablamos hace algunos días con Laura Recarte y Mercedes Bueno. Fueron ellas las que nos metieron de lleno en el universo de La Niña Hilo, además de contarnos todos los detalles de lo que está por llegar. ¿Quieres saber todo lo que nos estuvieron explicando?
Tienen un magnetismo que atrapa desde el primer momento en el que los escuchas. Y ahora, con el lanzamiento de su nuevo single y videoclip «Atrapada», lo han vuelto a demostrar. Se trata de Iseo & Dodosound, que directos desde Navarra, afianzan su vuelta para cantarnos a ritmo de dub y reggae, y para ayudarnos a canalizar todos los sentimientos que se nos han acumulado durante este periodo de cuarentena, llamado 2020. Un canto esperanzador a pesar de todo lo complicado de la situación. Una nueva dosis de realidad en el momento más oportuno.
Con un espíritu y una esencia inquebrantables, el dúo formado por Leire Villanueva y Alberto Iriarte vuelven a cantarle a la realidad y a ponerle palabras a lo que estamos viviendo y muchos de nosotros no sabemos expresar. Vuelven para demostrar de nuevo lo que son y lo que tienen. Solo ellos son capaces de demostrar que son pura música, hecha para la gente y desde el corazón; y con la increíble certeza de que la belleza puede estar en la sencillez. Aunque cómo no, no han estado exentos de la tan necesaria evolución que todos llegamos a experimentar, que pasa por la experimentación con nuevos sonidos reflejándolos en lo que mejor saben hacer: música atemporal que no entiende de fronteras.
Eso sí, lo que permanece en el tiempo es la esencia tan característica. Ese sello Iseo & Dodosound que se ha apreciado en todos y cada uno de sus trabajos discográficos, desde «Cat Platoon» (2015) hasta su mixtape «Same Love» (2019), pasando por «Roots in The Air» (2017). Sin olvidarnos de singles como «Broken Speaker» y, por supuesto, de este último «Atrapada», del que ya podéis disfrutar en todas las plataformas digitales. Un tema muy especial, que ha llegado acompañado de su respectivo videoclip made at home. ¿Qué os ha parecido?
Todos los que conocimos a Chica Sobresalto, y después la redescubrimos en Operación Triunfo, estamos de enhorabuena, Porque después de irrumpir con si tema «Oxitocina», Maialen Gurbindo nos tiene preparada una nueva bomba musical que, bajo el título de «Fusión del núcleo», verá la luz mañana viernes 13 de noviembre. Llegada de un single y de un videoclip que hay que celebrar por todo lo alto, aunque sea a través de la pantalla. Por eso, la artista navarra ha optado por hacer un concierto vía streaming, desde el corazón del Baluarte y con la inestimable compañía de Leire Celestino al piano. La cita será este sábado día 14, un día después de que vea la luz esta nueva canción. Una cita ineludible en la que esperamos que haya alguna sorpresa más.
La encantadora y potente voz de Chica Sobresalto
Cantes de entrar a la Academia más famosa de nuestra televisión, Maialen Gurbindo llevaba ya bastante recorrido hecho. Con un primer disco en la calle, «Sobresalto», ya había tocado en centenarios de escenarios de salas y había abierto para bandas como Nixon, además de haber recorrido algún festival como el Cooltural Fest. Pero tras su paso por Operación Triunfo, todo explotó. No solo nos sirvió para conocer a la persona que se esconde tras la artista, también nos ayudó a descubrir una faceta completamente diferente de la artista que con «Oxitocina» implosionó. Y es que no dudamos ni un segundo al decir que este ha sido nuestro single favorito de entre todos los de los triunfitos. Mantiene esa dulzura tan característica de la compositora, pero también estalló por los aires y mostró toda su potencia, todo el rock que llevaba dentro. No hay más explicación posible.
Ahora con «Fusión del núcleo», Gurbindo da un paso al frente, mostrándonos así una de las primeras píldoras que formarán parte de su próximo trabajo discográfico que verá la luz en 2021. Habrá que tener paciencia. Mientras tanto, tan solo pasen, escuchen y disfruten. Empiecen a hacerlo mañana con la llegada del single y el sábado con el directo que llegará desde el Baluarte hasta el salón de casa. No es el concierto que nos gustaría, pero es una manera de lo más bonita de conocer un poco mejor a Chica Sobresalto. O a Maialen. ¿Tienes ya tu entrada para este encuentro digital? Aún estás a tiempo (consíguela aquí).
La Red Bullet está de vuelta con nuevo disco que, a ritmo de post-rock, inundó nuestras vidas el pasado viernes 2 de octubre. «Mariner Eleven» es ya nuestro y, lo cierto, es que esconde una maravillosa historia detrás. Aprovechando todo eso, hablamos con los hermanos Muerza justo el día de antes de que este tercer trabajo de estudio de los de Navarra, viera la luz. Pasad y leed.
¿Cómo surge el concepto de «Mariner Eleven»?
Bueno, te contaré un poco cómo nace la agrupación de estas canciones. El grupo estaba experimentando un parón tras la publicación de nuestro anterior disco, «Origin Of Seeds». Desde ese momento, tuvimos un par de años para darle vueltas a cosas que teníamos en la cabeza, a composiciones que ya teníamos. Todo para darle forma a este nuevo álbum, que en lo instrumental es bastante conceptual. Lo que nos quedaba era darle una forma estética, un empaquetado final. Luego, a nivel de letra, para que todo tuviera un peso, lo que se nos ocurrió fue crear una historia que involucrase a un padre y una hija que viven en la tierra y que se tienen que trasladar, porque el planeta está ya en las últimas. Así que pensamos en ese hilo conductor, para aprovechar y hablar de la naturaleza, de la relación padre e hija y para hablar de lo que nos espera si seguimos por este camino.
De hecho, hablando del hilo conductor de «Mariner Eleven» quería ahondar un poco en el tema crítica, en el hecho de dar un toque de atención si seguimos haciendo lo que hacemos con el lugar en el que vivimos
Sí, sí. De hecho, desde nuestro primer disco, siempre hay una parte en la que aprovechamos para hablar de naturaleza, y de tratar y valorar más lo que tenemos. Y este sigue un poco la misma línea. Las letras, la verdad, es que no son demasiado largas y ninguna tiene un significado muy claro. Pero el contexto que le queríamos dar era ese, que hay que valorar lo que tenemos, ser conscientes de lo que supone hacerlo y saber qué es lo que perderíamos si no lo cuidamos. En este sentido, nos gusta que las letras tengan un poco de ambigüedad, para que tengan una libre interpretación. Creemos que todas tienen una intención concreta y, encima, le hemos dado toda esta historia de trasfondo. Pero nos gusta que estén abiertas todas.
¿Cómo ha sido el proceso creativo y compositivo de este trabajo?
La parte compositiva siempre suele ser entre todos, ya que cada uno va llevando una idea y la vamos desarrollando conjuntamente. Y somos de los grupos que tiene toda la base melódica y en base a eso, vamos encajando las voces que nos van saliendo. Algunos lo hacen al revés, pero nosotros somos más de ver dónde nos encaja la voz y en función de eso, también vamos creando la letra según lo que nos pida la propia canción.
¿Cómo afrontáis el lanzamiento?
Pues va a ser un poco raro por la situación que estamos viviendo, porque claro, no tenemos en mente hacer gira ni nada. Aunque entre finales de año y principios del siguiente, vamos a intentar hacernos un poco de hueco, a ver si las circunstancias nos permiten hacer alguna presentación. Pero en principio, el lanzamiento de «Mariner Eleven» será en redes. Y en base a eso, llamar a todas las puertas posibles y ser escuchados. Va a ser todo bastante extraño. Pero con muchas ganas, porque hay temas ya muy desarrollado, después de dos años dándole forma al disco.
En base un poco a esta situación vivida, ¿cómo os ha afectado el confinamiento y qué ha supuesto para la banda?
A nivel musical, puede que haya sido hasta positivo en confinamiento. Obviamente, no nos podemos alegrar, pero a nosotros nos ha servido para asentar toda la grabación, que ya la teníamos hecha desde el año pasado, y poder revestirlas, darles una vuelta. Y la verdad es que es la primera vez que presentamos un disco tan trabajado, tan vestido.
También es verdad que el confinamiento ha supuesto una cosa para cada uno. A nivel personal no ha sido fácil, pero está claro que de los reveses personales se aprende. Y a raíz de eso, la creatividad se ha multiplicado, lo cual ha sido positivo para la banda. Nos alimentamos de la tristeza (risas).
¿Y cómo ha sido la experiencia de autoproducir el disco y de trabajar ese aspecto desde dentro?
Pues ha sido brutal la verdad, y lo cierto es que no nos habíamos atrevido hasta ahora. Nos metimos de lleno en crear atmósferas, en hacerle cirugía a las canciones, más allá de lo que tocamos en la sala de ensayo. En ese aspecto, este disco sí que marca un origen: ya no somos cuatro instrumentos, gracias al trabajo, las canciones son proyectos más amplios, en los que te imaginas las atmósferas y las capas que puedan tener los temas. Y los siguientes discos, seguramente sigan por esa estela.
Justo antes de ver la luz el disco, pudimos escuchar dos de los temas: «Black Walter» y «Maybe Out There». ¿Por qué estos temas como avanzadilla?
«Black Walter» era la que más teníamos trabajada desde hace muchos años y era la carta de presentación del disco, porque es donde más tiempo y cariño hemos metido los cuatro. Además, creemos que es el tema que marca un poco la diferencia y la que marca un poco en nuevo camino de la banda, ya que en esta, han tenido mucha más presencia las voces, respecto al disco anterior.
Y «Maybe Out There» la publicamos para que se sepa que todavía mantenemos la esencia del disco anterior: esa progresión y ese post-rock que ya destacaban en «Origin Of Seeds».
¿Qué canción de La Red Bullet identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Borja. Creo que por un lado está lo que la propia letra cuenta y por otro lo que transmitan. En este momento, yo me quedaría con «There Flor Walls», pero más a nivel instrumental. Pero ahora mismo, es una canción que destacaría y que pondría como DNI de este disco. Luego está «10 Minutes Away», que es la que representa un poco el camino que llevamos y que vamos a continuar.
Nacho. En mi caso sería «Deep», por el contraste entre una primera parte de canción más sosegada y tranquila, y una segunda parte más intensa.
Borja. Yo también diría «Deep», porque en este caso es en la canción en la que hemos intentado hacer algo más nuevo o que está menos trillado por nosotros. Tiene algo diferente, porque es la que salió al final y por partes, así que es la que menos hemos podido escuchar.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues probablemente coger una furgoneta e irnos al confín de Galicia y tocar en un pueblo perdido, para el dueño del bar y sus 10 habitantes. Para nosotros fue como el punto álgido de la banda, ya que nos regaló muchas experiencias. ¡Un abrazo a Bueu! Bueno, otro concierto que debemos mencionar, es el que hicimos en un búnker en Burdeos. Casi todas las grandes locuras nos las ha dado la carretera. Aunque arruinarnos también ha sido muy loco (risas).
Después de varios años de silencio, Marea regresan a los escenarios y lo hacen con nuevo disco. El próximo 12 de abril, «se acabó la tontería», llega «El Azogue». Y lo hará de la mano de Warner Music. Aunque todo lo que rodea a la salida de este álbum es todavía un misterio. Lo único que sabemos de los de Berriozar es la fecha del lanzamiento y la portada del que será este nuevo disco. Un anuncio que pusieron en sus redes sociales, en las que llevaban más de un año sin publicar. Redes que, por supuesto, han terminado incendiadas por los comentarios de numerosos fans.
Sin duda, estas semanas han sido demasiado emocionantes. Y es que Marea no han sido los únicos que han medio anunciado que regresan. Otra de las bandas más míticas a nivel nacional, como es La Polla Récords también ha lanzado la bomba de que vuelven y de que, muy probablemente, estén preparando nuevo material. Eso sí, sin llegar a dar mucha más información.
«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.
Por eso, este nuevo disco es tan importante y especial. Tal y como detallaban en el comunicado de prensa inicial, «El Azogue, séptimo trabajo de estudio de Marea, verá la luz tras permanecer la banda en barbecho desde finales de 2012». Un secretismo y misterio, que hace que queramos saber aún más. Y es que todavía queda que la banda navarra confirme las fechas de la gira o si lanzará algún single de manera previa, pero nosotros estaremos atentos a todas las novedades que vayan desvelando.
Casi ocho años juntos y cuatro discos previos. Llegó el 2016 y Vendetta sorprendió con nuevo trabajo. Después de dos años, la banda volvía a los estudios de grabación de PaxkalEtxepare, para grabar su quinto álbum «Bother», con el que las raíces ska se mantienen, pero se mezclan con ciertos toques reggae y electrónicos. Y con la llegada de este nuevo año, la banda comienza con nueva gira, con la que recorrerán distintas ciudades españolas y también algunas europeas.
Pregunta. Este pasado año, no habéis parado con vuestra anterior gira. ¿Cómo ha sido no tener ni un minuto de descanso?
Vendetta. Estamos muy acostumbrados a no parar, por desgracia. O más bien por suerte. La verdad es que estamos hechos a eso, arrancamos siempre con toda la energía del mundo, con acabar la gira y pensar en los nuevos temas, así que al final acabas empalmando con la siguiente. Así que, cuando nos dicen que vamos por el quinto disco, no nos lo podemos creer. No hemos tenido tiempo para respirar y reflexionar.
P. ¿Cómo ha sido llevar vuestra música hasta Latinoamérica?
V. Desde que empezamos, hemos hecho giras internacionales. Desde el primer año, cogimos la furgoneta y nos fuimos a Suiza con unos contactos que teníamos. Así que picando piedra, hemos pasado ya por Suiza y Alemania, e incluso hemos cruzado el charco, llegando hasta Perú, Argentina, Chile o Uruguay. Este año también lo tendremos en cuenta y atravesaremos fronteras. Para nosotros este punto es muy importante, ya que somos una banda afincada en Euskal-Herria, tocamos mucho dentro de España y salir fuera del país, para nosotros es ampliar nuestro repertorio de sensaciones. Porque claro, el público es diferente en cada lugar.
P. ¿Y cómo es la acogida de vuestras canciones en otros países, especialmente aquellas que cantáis en euskera?
V. En cada lugar es diferente. En Suiza, por ejemplo, el circuito que frecuentamos es muy alternativo y la gente va a nuestros conciertos, principalmente por el estilo que trabajamos. Porque ni el español, ni el euskera ellos lo entienden, al menos la mayoría. Y la verdad es que es muy curioso ver cómo van, cantan las canciones y bailan. Pero es que esa misma sensación la tenemos incluso cuando venimos a actuar a Madrid. El púbico responde de manera positivo. Y es muy bonito ver cómo gente que no sabe euskera, se aprende los temas. En Latinoamérica nos pasa algo similar a lo que nos sucede en Madrid, por ejemplo.
P. ¿Cómo nace «Bother», en medio de toda esa gira anterior?
V. Surge de la necesidad de escribir, de contar, de crear. Al final, somos una banda de directo, pero nos gusta contar cosas nuevas en nuestros conciertos, y para eso hay que sacar disco nuevo. El proceso de creación, no tiene fecha fija. No es cuestión de decir: «de tal fecha a tal fecha es la gira, y de ésta a ésta, componemos». Son aspectos que van surgiendo de manera simultánea. Sí que es cierto que hay un periodo como de dos años, que parece un estándar en las bandas. Y al final, entras en esa dinámica de sacar disco cada dos años. En nuestro caso, hacerlo a la vez que giramos es algo cañero, pero nos gusta. Así que no nos cuesta sacar tiempo para ello.
P. ¿Podrías definir el disco en un par de palabras?
V. Redondo, porque hemos trabajado el disco 360º. En todo lo que respecta a estilo, temas, diseño del álbum, a todo en general. Nada sobra y nada falta. Además es un disco valiente.
P. «Bother the police» fue el primer single y la primera parte de un videoclip de tres. ¿Por qué esta canción la primera?, ¿y por qué publicar un videoclip en tres partes?
V. Fue el primero de los tres, porque es una canción que representa muy bien a Vendetta, refleja muy bien qué somos. Además, en ese tema cantamos todos, es súper marchoso y tiene ese toque de reivindicación.
En cuanto a lo de la trilogía, teniendo en cuenta que hemos dado un salto en este disco en cuanto a sonoridad, también hemos decidido darlo en el tema del formato de los videoclips. Tres vídeos relacionados entre sí, en lo que a historia se refiere [ya están publicadas la primera y la segunda parte].
P. Hablando del cambio de sonoridad. ¿Por qué esta evolución?
V. Consideramos que ya era el momento de cambiar, al ser éste el quinto álbum. No queríamos repetir, no queríamos seguir haciendo lo mismo que en álbumes anteriores. Habíamos trabajado ya algo la electrónica, y en «Bother» hemos profundizado en este aspecto. De hecho, este género nos ha ayudado mucho, da un toque diferente al disco. Nos ha servido para darle una vuelta de tuerca más a nuestro sonido.
La verdad es que nos gusta investigar otros estilos y mezclarlos, a lo «jamaicano». Y esta vez, le hemos dado más importancia que otras veces, aunque siempre hayamos mezclado tres y cuatro géneros distintos.
P. En cuanto a las letras, ¿qué importancia tienen?
V. No sabríamos decir una proporción exacta, pero importancia tienen mucha. En realidad, los músicos ponemos voz a las cosas que vemos, a las cosas que nos pasan a nosotros y a todas las personas que sufren lo mismo que nosotros. En ese aspecto, siempre hemos tenido claro que pondríamos voz a todo aquello que nos pareciera injusto. Sin dejar de ser alegres y combativos.
P. ¿Cómo afrontáis este tour 2017?
V. La gira empieza a finales de marzo. Recorreremos varias ciudades españolas, festivales y también caerá Europa. Y la afrontamos con muchísmas ganas, con ansias de montar el mejor directo, que hayamos hecho nunca.
La encantadora y potente voz de Chica Sobresalto
«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.
