Etiqueta: Gabriel de la Rosa

  • Tu Otra Bonita celebra sus diez años con «Y si no soy yo»

    Tu Otra Bonita celebra sus diez años con «Y si no soy yo»

    Acaban de celebrar su décimo aniversario sobre los escenarios y no podemos estar más orgullosas de que así sea. En cierto modo, hemos sido testigos de cómo Tu Otra Bonita ha ido creciendo poco a poco, pero sin desfallecer y eso nos llena el corazón de orgullo. Ahora, tras una década girando, llega el momento de celebrarlo junto a Héctor Lacosta, Félix Vigara y Alberto Vallecillo, no sólo acompañándolos en directo en las tres salas en las que empezaron a tocar en Madrid, Barcelona y Sevilla; sino también escuchando en bucle en nuevo sencillo que acaban de publicar junto a Gabriel de la Rosa de Shinova, «Y si no soy yo». Pero calma y vayamos por parte, que de todos estos detalles hablamos hace algunos días con el propio Héctor, letrista y vocalista de la banda.

    Antes de nada, agradecerte que nos hayas cedido este espacio, ya que es un placer para nosotras. Y aprovechando que estamos hablando contigo, lo primero que quisiéramos preguntar ahora que ha visto la luz «Y si no soy yo» junto a Gabriel de la Rosa de Shinova es, ¿cómo nace esta canción y qué ha supuesto para vosotros colaborar con él?

    Héctor. Primero daros las gracias a vosotras por querer hablar con nosotros y llamarnos. Y bueno, pues este tema es uno de los más especiales del próximo disco. Lo escribí pensando en la vulnerabilidad que, a veces, tenemos los hombres a la hora de mostrar nuestros sentimientos; en el miedo al rechazo que sentimos si nos mostramos débiles. Y ante ese escudo de la masculinidad, quise hacer esta canción. También es un grito al amor a esa mujer a la que quieres conquistar y que estás pendiente de que ella tome la decisión de si vas a ser su pareja o su compañero de vida. Eso con respecto al tema, con respecto a la colaboración, pensé en Gabriel porque creía que le podía caer súper bien. Creíamos que se ajustaba muy bien a su voz, a su forma de cantar. Y como le conozco, es especial y sé que es una persona que le gusta nuestro trabajo, se lo propuse y tengo que decirte que no hay nada que me gustara más que la manera que tuvo de decirme que quería trabajar con nosotros y de que se sentía muy halagado de que quisiéramos colaborar con él. Fue fantástico, la verdad.

    ¿Cómo ha sido la acogida del público, que ha podido escuchar esta canción en su versión más original y acústica, y ahora la tienen de nuevo en otro formato y con la colaboración de Gabri?

    H. La acogida ha sido bestial. De hecho, va súper bien de reproducciones y, tras «Alitas» y «Alegría de vivir», está siendo la más escuchada en plataformas. Encima, tuvimos la oportunidad de tocarla en la Plaza del Trigo del Sonorama, lo cual significó la consagración de la canción. Ojalá todos los temas los pudiéramos presentar así. La verdad es que estamos muy contentos, ahora sólo estamos deseando tocarla en directo para que la gente se empape de ella.

    Bien mencionabas lo importante que es el mensaje de la canción, aunque este punto es ya una seña identidad de Tu Otra Bonita. Pero más allá de eso, ¿en qué se inspira la banda para crear las letras y verdaderamente, hasta qué punto son importantes para vosotros?

    H. Bueno, las letras de las canciones son súper importantes, siempre tienen un mensaje importante detrás, eso está claro. Pero tengo que decirte que me empapo de las historias de mi alrededor, siempre lo he hecho así. Quiero absorber lo que me cuentan e intentarlo plasmar. En su momento, una persona me contó lo mal que lo estaba pasando, porque dependía de la decisión de alguien de quien estaba completamente colado, así que vi que era el momento de impregnarme de ello e interpretarlo. También creo que es un momento social. En su momento, el Fary decía que detestaba «al hombre blandengue», pero creo que ahora el punto es hacer fuerte «al hombre blandengue». Expresar lo que sientes, nunca puede ser sinónimo de algo malo. El sentirte vulnerable ante el amor, da igual que seas hombre o mujer, tienes el derecho de expresarlo a tus familiares, a tus amigos o a quien quieras. Eso ha cambiado, porque antes creo que teníamos la tara esta de tragárnoslo, pero guardártelo al final sólo te genera problemas.

    Esta canción también es el primer adelanto de vuestro próximo álbum, ¿cómo está siendo su proceso creativo?, ¿hay alguna pista más que nos podáis dar?

    H. Bueno, ¿qué te puedo contar del disco? Decirte que ya estamos en la recta final, dándole los últimos retoques a las canciones, especialmente con la producción. Creo que va a ser un salto en nuestra carrera, sobre todo porque contamos con un gran equipo y, entre ellos, está el productor Emilio Mercader, que ha entendido muy bien el sentido de Tu Otra Bonita y el mensaje que queríamos mandar en este disco. ¿Va a haber sorpresas? Por supuesto. Dentro de poco habrá una, que considero que es gordísima, pero ahora no la puedo decir. Si me llamas dentro de un mes, te la digo [risas]. Además, para nosotros es una maravilla, el poder tener al lado a alguien como esta persona, es increíble.

    Este año, cumplís vuestro décimo aniversario sobre los escenarios y lo vais a celebrar con tres conciertos en Madrid, Sevilla y Barcelona. ¿Cómo os estáis preparando para estas citas y cómo os sentís?

    H. Te cuento un poco cómo nació esto. Aprovechando que hace diez años publicamos nuestro primer disco, quisimos aprovechar para hacer una mini gira por las tres ciudades en las que empezamos a rodar, que fueron Madrid, Sevilla y Barcelona. Y, concretamente, actuaremos en las tres salas en las que comenzamos. Las salas en las que tanto nos costó vender 20 o 30 entradas. Pero en esta ocasión, las hemos sacado a la venta y llegamos a colapsar la página de Wegow [risas]. Se agotaron las entradas en lo que se tardó en restaurar el sistema. Estamos muy contentos. En cuanto a cómo lo estamos preparando, la verdad es que no hemos empezado, siendo sinceros [risas]. Aunque tampoco nos da miedo, porque queremos que los conciertos sean naturales. Vamos a sentarnos Alberto, Félix y yo a decirle a la gente de dónde venimos y, ante eso, no podemos tener miedo porque sabemos cómo tocamos y cómo hemos hecho siempre las canciones.

    Analizando con perspectiva y echando un poco la vista atrás, más ahora que celebráis vuestro décimo aniversario, ¿qué le diríais a los Tu Otra Bonita que comenzaban su carrera musical?

    H. ¡Es una pregunta maravillosa! Tendría que hacer un ejercicio enorme para contestarte esto, porque me diría tantísimas cosas. Primero, que nunca pensé que llegaríamos a este lugar, te lo digo sinceramente. Es curioso porque, ahora, estando donde estoy, quiero más. Pero es que la ambición del músico es inagotable. Eso sí, está claro que me he equivocado muchísimas veces y ahí sí que me gustaría sentarme y decirme: «Héctor, esto no lo hagas así, por favor, que te lo vas a comer» [risas]. Me daría consejos, muchos consejos, eso sí. Pero de todo se aprende. Y creo que hemos llegado a donde hemos llegado, a base de los aciertos, pero también de los errores.

    Quedan un par de preguntas, que son con las que me gusta cerrar siempre. La primera de ellas es, ¿qué canción de Tu Otra Bonita identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    H. ¡Uffff, ostras! Pues fíjate, creo que hay una canción, que no es de mis favoritas de la banda, que es «Alfombra Roja», pero sí que explica muy bien cómo es Tu Otra Bonita, el momento en el que estamos y cómo hemos llegado hasta aquí. Esta canción viene a decir que a la banda no le gusta ni estar en el lobby, ni la alfombra roja, ni hacer la trepa a nadie. Nunca hemos sido así, nunca nos hemos visto en esa necesidad, porque como personas no somos así. Y, aún así, hemos llegado hasta aquí siendo nosotros. No hemos variado nada nuestra hoja de ruta, ni nuestra manera de ser. Que igual deberíamos haberlo hecho, para llegar más lejos en menos tiempo [risas]. Pero fíjate, voy a decirte, hasta en algo tan simple como el vestir encima del escenario…nunca hemos dejado que nos vistan como payasos, porque somos músicos. Lo hemos pensado siempre así, imagínate lo tercos que somos en este aspecto. De hecho, una cosa que nos solían decir cuando bajábamos del escenario – que cada vez nos la dicen menos, también es verdad -, es que éramos muy naturales. Y que nos dijeran eso me encantaba, porque siempre hemos intentado plasmar en nuestra música cómo somos Félix, Alberto y yo.

    Y ya por último, por hacer honor al nombre de la revista, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido vosotros por la música?

    H. ¡Ufff! Bueno, hemos hecho muchas locuras. Hemos pasado días enteros sin dormir. De tener que salir de Madrid para tocar, venir en el viaje sin dormir, trabajar por la mañana, coger la furgo para tocar, volver por la mañana para trabajar y, a la salida, irnos a tocar de nuevo. Esto durante tres días seguidos, es así de lírico. Que no es que sea una locura, es que es una pasión [risas]. Tenemos locuras de todo tipo, y ya no te digo nada dentro de la banda, que es incontable [risas].

  • Cronometrobudú nos embarcan en su particular viaje a «Verne»

    Cronometrobudú nos embarcan en su particular viaje a «Verne»

    Hay vueltas que se hacen esperar, pero que cuando llegan, saben a gloria. Hay vueltas que es mejor llenarlas de música, de estilo, de personalidad. Y en todo eso, Cronometrobudú son unos expertos. Y es que si hace apenas unos meses nos sorprendieron con la llegada de su single «Este fuego», ahora han vuelto a hacer lo propio con su nuevo álbum, «Verne». Un disco formado por diez canciones, con las que nos invitan a viajar, a embarcarnos en todo un mundo de aventuras. Aventuras que no hacen más que reinventarse con cada paso que dan, con cada experiencia que viven, con cada trabajo discográfico que nos regalan (y ya van siete). Una manera más que perfecta de dejar huella en cada uno de los corazones que impregnan con su talento y con sus pegadizas melodías.

    Toda una carrera, todo un camino, toda una senda. Años y años de trabajo en los que no han renegado, ni se han alejado ni un ápice de esa esencia que tanto los caracteriza: el poder de aunar fusión musical y poesía. Pero sin perder de vista ese objetivo vital que es la evolución, personal y profesional. Y es que en este «Verne», Cronometrobudú se han alejado de las distorsiones y de los ritmos pesados para abrir puertas y ventanas que permitan la entrada de bocanadas de aire repletas de ritmos bailables, de música electrónica y de melodías pegadizas. Como resultado de todo ello, tenemos diez canciones directas y optimistas, perfectas para disfrutar, para bailar y para cantar, tanto arriba como abajo del escenario.

    En esta sintonía, canciones como «Guerra serena», «En babia» o «Perdiendo la mañana» junto a Gabriel de la Rosa (Shinova), se alzan con todas las papeletas para convertirse en himnos y en nuestras canciones favoritas. El resumen perfecto, la muestra de que este es un disco repleto de fiesta, alegría y donde los sentimientos son el hilo conductor de este gran y hermoso viaje.

  • Comandante Twin: «Hay una luz define muy bien el momento que estamos viviendo»

    Comandante Twin: «Hay una luz define muy bien el momento que estamos viviendo»

    El pasado viernes, como un verdadero regalo, Comandante Twin nos presentaron la reedición de su mítico tema «Hay una luz». Una canción de lo más positiva, que ha llegado en el momento en el que más la necesitamos. Y, además, lo ha hecho con una colaboración de lujo: la de Gabriel de la Rosa, vocalista de Shinova. Unos días antes del lanzamiento, pudimos charlar por teléfono con Edu Santos, compositor y vocalista de la banda. ¡Y esto es lo que nos contó, mucha atención!

    ¿Por qué reeditar y darle una vuelta de tuerca al tema de «Hay una Luz»?

    En su día, grabamos nuestro primer disco, que es en el que está incluída esta canción, y lo cierto es que Comandante Twin era todavía una banda bastante amateur. En realidad, lo grabamos porque nos apetecía, sin pensar en que después podía gustar tanto como gustó. Entonces la primera canción que vio la luz fue «Hay una Luz», pero no hicimos ningún tipo de lanzamiento de ella: no estábamos currando con nadie de promo, ni montamos ningún tipo de campaña, ni nada alrededor. Sin embargo, tiempo después, la canción ha sido buque insignia nuestro, que supongo que será algo que pasa más de lo que pensamos. Así que, bueno, teníamos muchas ganas de darle el lanzamiento que se merecía, con todos los medios. Y cuando surgió la oportunidad de colaborar con Gabri de la Rosa, nos decantamos por recuperar «Hay una Luz», ya que recoge muy bien la esencia de Comandante Twin, pero claro, dándole una vuelta y renovando un poco lo que es el sonido.

    ¿Qué significa para vosotros «Hay una Luz»?

    Pues para nosotros significa mucho. Primero, porque es la canción que conoce todo el mundo en los conciertos y con la que más conectamos con el público. También es la canción que más visitas y reproducciones tiene en plataformas digitiales, y está incluída en listas editoriales de Spotify. Además, para nosotros tiene ese matiz de banda, que es extraordinario. Y a nivel personal, para mí es un tema muy especial por la historia que hay detrás. Creo que «Hay una Luz» es una canción que llega mucho.

    ¿Cómo surge colaborar con Gabriel de la Rosa en esta canción y cómo fue trabajar juntos?

    Surge un poco de la amistad. Porque, al final, te vas conociendo entre las bandas, a raíz de coincidir en diferentes lugares y de ir charlando. Con el primero con el que entablamos relación fue con Ander, bajista de Shinova, y ya a partir de ahí, comenzamos a hablar con Gabri y con el resto de la banda. Además, son gente muy cercana y muy generosa. Y es que se han portado con nosotros genial, ¡chapó!

    En cuanto a cómo ha sido el trabajo con Gabri, la verdad es que genial y muy fácil. Primero, porque es un tío muy profesional y segundo, porque es muy, muy cercano. Por no hablar del gesto de generosidad que ha tenido con nosotros, porque al final, él no gana nada. Sin embargo, a nosotros seguramente nos permita llegar a más gente. Así que estamos muy agradecidos.

    El tema ha visto la luz con su videoclip, ¿cómo surge la idea?

    Pues nosotros teníamos claro que queríamos es mostrar el vídeo tocando en directo, pero no sabíamos cómo orientarlo. Además hablando con la gente que iba a montarlo, nos dimos cuenta de que tampoco teníamos recursos suficientes. Así que buscamos otra posible opción: que es la del teatro, el juego de luces, los dos cantantes en el patio de butacas, que nos vamos acercando cada vez a la banda. Creo que es muy buena manera de representar lo que sentimos nosotros con esta canción, que es muy especial para todos. Es un videoclip sencillo pero que creo que, a su vez, es llamativo. Se agradece escuchar la canción con estas imágenes.

    ¿Cómo os sentís ante el lanzamiento?

    Pues para nosotros es un momento muy importante. Creemos que «Hay una luz» define muy bien el momento que estamos viviendo ahora, especialmente estos días, que parece que empezamos a ver un poco la luz. Entonces claro, por esa parte, fíjate como son las casualidades: llega esta canción que tiene un mensaje muy homogéneo para todo el mundo con el que te puedes sentir identificado. Y para nosotros es como dar otro pistoletazo de salida para la banda, porque, entre otras cosas, esta es primera colaboración que hacemos como banda y encima con un invitado de lujo. Así que solo esperamos que la reedición guste entre el público y que, bueno, que nos descubra nueva gente.

    Con la complicada situación que estamos viviendo, ¿crees en el poder curativo de la música?

    Sí, sí. No sé si tanto como poder curativo, pero sí que creo que todos tenemos bandas sonoras en función de los estados de ánimo que atravesamos. O que nos ayudan un poco a gestionar lo que sentimos: creo que en canciones que son completamente ajenas a nosotros, podemos encontrar mensajes o ciertas respuestas. No sé si curativo, pero lo que sí sé es que la música es fuente de inspiración para todos.

    Además de la reedición de este «Hay una luz», ¿podremos disfrutar de alguna más?

    Pues podría ser, podría ser. Aunque también es verdad que toda la crisis del COVID-19, nos ha cambiado el paso completamente: y es que teníamos la gira y muchos festivales confirmados, que a ver lo que pasa con todos ellos. Así que, con el paso cambiado, hemos decidido acelarar la salida de nuestro tercer disco, que será un trabajo muy importante. En definitiva, puede que haya lugar para reeditar algún tema más, pero también es verdad que estamos muy enfocados en seguir componiendo y en pegarle un acelerón al próximo disco.

    ¿Se puede avanzar algún detalle del próximo álbum o todavía no?

    Estamos todavía trabajando en ello. Tenemos claro con quién nos gustaría producir, aunque no lo podemos decir todavía. Y, bueno, también tenemos ya algún tema hecho, aunque aún nos quedan muchas discusiones para ver cómo lo enfocamos y hacia dónde lo llevamos. A nivel de estrategia, nos gustaría llevarlo un poquito fuera de la caja, fuera de lo que comunmente se hace.

    ¿Qué canción de Comandante Twin identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues probablemente la canción de «Hay una luz» con Gabri es una buena definición. Porque es una canción en la que hemos invertido mucho tiempo produciendo, tanto nosotros mismos en el local de ensayo como con José Caballero. Mantiene muy bien la línea, pero introduce elementos que son nuevos: tiene tintes más electrónicos y la parte rítmica tiene otro rollo. Estamos caminando un poco en esa línea, de ser capaces de evolucionar a nivel musical hacia sonidos más modernos. Y esta canción creemos que es fácil de escuchar y, además, tiene un mensaje bonito, romántico, esperanzador y muy positivo. Todo sin perder la esencia de Comandante Twin. Creo que es un buen termómetro de lo que somos y de lo que está por venir.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Te diría que todo lo que estamos haciendo, porque con todo lo que ha pasado, la banda está sufriendo una situación económica complicada [risas]. Y probablemente, la mayor locura es seguir tirando del carro con todas las consecuencias y a pesar de todo lo que está pasando. Es seguir creyendo en el proyecto que tenemos. Creo que es una buena locura, al fin y al cabo.

    https://youtu.be/64e3enk-jDs

  • Lunáticos: «Lo que somos nace con la idea de reflejar todo lo que nos pasa»

    Lunáticos: «Lo que somos nace con la idea de reflejar todo lo que nos pasa»

    Poco a poco y con buena letra. Así está siendo la potente y creciente carrera de Lunáticos, que hace apenas unos meses nos presentaron su primer trabajo de larga duración. Se trata de «Lo que somos», un álbum que recoge muy bien la esencia de cada uno de los miembros de la banda y que, además, descarga una buena dosis de locura y de fiesta. Y es que estas dos son las armas mejores guardadas de la banda.

    Mucha atención, porque hace algunos días entrevistamos a Guillermo García (batería de Lunáticos) y la charla fue tal que así. No os perdáis una de nuestras últimas entrevistas de este 2019.

    ¿Cómo surge el concepto de este «Lo que somos»?

    Llevábamos ya tiempo queriendo sacar nuestro primer disco de larga duración. Así que, poco a poco, Alejandro que es nuestro vocalista, comenzó a componer las canciones que formarían parte de este trabajo. Canciones que cuentan un poco lo que a él le pasan, pero que van adquiriendo una nueva forma cuando se junta con nosotros, cuando nos cuenta y cuando empezamos a compartir experiencias todos los miembros de la banda. De ahí un poco el concepto de «Lo que somos». Nace de la inquietud de reflejar lo que nos pasa, de sacar esa locura que llevamos dentro y enseñarla al mundo.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Pues la verdad es que fue bastante largo. Cuando decidimos que queríamos grabar este proyecto, nos metimos en el estudio a componer, porque tampoco teníamos muchas canciones. Entonces, el hecho de pensar en el concepto del disco, estuvo bastante bien, porque nos hacía centrarnos más en las canciones que queríamos conseguir. Así que ha estado todo muy pensado.

    ¿Cómo ha evolucionado Lunáticos desde que comenzara en 2017?

    Ha cambiado mucho y poco, a la vez. Sí que se ha notado la incorporación de Enrique, nuestro nuevo guitarrista. Pero creo que el cambio más notable que nos ha dado la experiencia, ha sido esa capacidad de sincerarnos más entre nosotros a la hora de componer. Decir las cosas que no nos gustan y hacer todo lo posible por cambiarlas, para que el tema suene mejor. Y tampoco nos hemos puesto límites: hemos dejado que las canciones fluyan más y que suenen como tengan que sonar, independientemente del género. Así que creo que sí que hemos crecido bastante.

    ¿Y qué queda de esos Lunáticos que comenzaron en el mundo de la música?

    Creo que lo que queda es la actitud, esa locura que todos llevamos dentro. Y es que lo que nos une es esa fiesta, esas ganas de pasarlo bien, de darlo todo sobre el escenario. Eso se mantiene, aunque musicalmente hemos evolucionado y no nos cerramos a nada. Lo único que tenemos claro es que queremos seguir manteniendo esa locura y esas ganas de pasarlo bien. Y, por supuesto, hacerlo pasar bien al público, aunque vengan y no nos conozcan de nada.

    Precisamente hablando de los directos, ¿cómo ha sido esta primera parte de la gira?

    La verdad es que estamos muy sorprendidos y contentos, porque se está desarrollando todo muy bien: la gente está respondiendo muy bien y se está dejando seducir. Al final, siempre terminamos tocando con grupos de la ciudad en la que tocamos y, la verdad, que el público siempre reaccionaba muy bien, felicitándonos incluso cuando bajábamos del escenario. Lo cual va un poco ligado al disco, creemos que al hacer canciones con estilos variados, podemos llegar a un mayor número de personas. Estamos muy contentos y con todas esas sensaciones nos quedamos.

    Volviendo un poco al tema del álbum, ¿cómo fue grabar «Lo que somos» junto a José Caballero?

    Trabajar con José Caballero fue una auténtica gozada. De hecho, ya habíamos trabajado con él en la grabación de dos de nuestros singles, todo ello gracias a ganar el concurso del Sonorama. En ese momento, fuimos allí, lo conocimos y nos gustó mucho cómo trabajaba. Así que cuando nos decidimos a grabar este nuevo trabajo, ya teníamos una muy buena relación con él. Para nosotros ya es familia. Así que estamos encantadisimos: desde el principio supo lo que queríamos y necesitábamos. Además, nos ayudó mucho  a buscar nuestro propio sonido.

    En este nuevo trabajo colaboran Gabriel de la Rosa de Shinova y Siloé. ¿Cómo fue la experiencia y cómo lo vivisteis?

    Nosotros cuando estábamos planificando el disco, ya teníamos claro que queríamos un par de colaboraciones. Entonces hicimos una lista y, precisamente, los dos primeros nombres que apuntamos fueron los de Siloé y Gabriel de la Rosa. Y fue un verdadero placer. Con Siloé hablamos después de su concierto en la Sala Galileo, y tanto Fito como Xavi nos dijeron que sí enseguida. Cuadramos fechas y para delante, sin haber escuchar el tema antes. Con Gabriel fue un poco igual: en este caso, fue gracias a José, que fue quien nos ayudó a contactar con él. Se prestó enseguida a colaborar con nosotros y, además, es un tío súper majo. Sin duda, ha sido una gozada para nosotros. Y un sueño, porque son artistas a los que admiramos mucho.

    Los dos primeros singles de este trabajo fueron «Deja de pensar» y «Natural». ¿Qué os llevó a escogerlos?

    «Deja de pensar» nos costó elegirlo, pero al final lo escogimos porque creíamos que era el tema que mejor representaba la esencia del disco. Tiene pinceladas de los distintos temas que tocamos: refleja muy bien toda la variedad que hay en este «Lo que somos». Encima, el videoclip tiene esos toques de locura que buscamos transmitir en los directos. En el caso de «Natural», como habíamos grabado con un coro de niños, teníamos claro que queríamos que salieran en el videoclip. También es un tema muy personal, con tintes más poperos y nos parecía un single genial para lanzar antes de que viera la luz el disco.

    Ahora que está a punto de terminar 2020, ¿cómo afrontáis el nuevo año y la gira que os espera?

    La afrontamos del mismo modo que la estamos afrontando ahora: con muchísimas ganas. Es cierto que hasta ahora hemos tenido cuatro fechas, pero es que en 2020 vienen muchas más. Arrancamos el 18 de enero en Madrid, en la Sala Moby Dick. Y a partir de ahí, continuaremos por muchas más ciudades. Estamos con muchas ganas de darlo todo.

    ¿Qué canción identifica mejor el momento en el que estáis?

    Diría «Delirio», porque define un poco cómo nos sentimos: estamos flipando mucho con el recibimiento.

    ¿Un escenario en el que tocar?

    Es una pregunta difícil, la verdad. Pero creo que diría en el escenario principal del Sonorama Ribera.

    ¿Un escenario al que volver?

    La Plaza del Trigo, también del Sonorama.

    ¿Artista o banda con el que compartir escenario?

    Pues en mi caso, me encantaría compartir escenario con Sienna. Porque escuché su último trabajo y, la verdad, es que me flipa mucho, me encanta lo que hace y quisiera conocerle y ver un bolo suyo.

    Un artista al que hayáis descubierto recientemente.

    Yo he descubierto hace muy poco a Cimafunk, que es un cubano bastante discotequero, que tiene un rollazo increíble. Me gusta un montón. Tuve la suerte de verle y está muy chulo lo que hace.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Yo creo que las hacemos todas las noches que salimos de fiesta los cinco, justo después de los conciertos. Nosotros se lo decimos mucho a la gente, que si quieren saber por qué nos llamamos Lunáticos, tienen que venir con nosotros de fiesta y descubrirlo.

    PRIMERAS FECHAS DE LA GIRA 2020

    18 ENERO Sala Moby Dick (Madrid)

    7 FEBRERO La Ley Seca (Zaragoza)

    8 FEBRERO Alfa En Viu (Barcelona)

    15 FEBRERO Sala Hollander (Sevilla)

    7 MARZO  Moon Music Club (Santiago de Compostela)

    13 MARZO Café Avalon (Zamora)

    21 MARZO Sala Musik (Murcia)

    15 MAYO Tio Vivo (Salamanca)

    16 MAYO Rock Beer The New (Santander)

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  • LAVIDA: «Era una apuesta muy alta, lanzarse con un álbum tan sincero»

    LAVIDA: «Era una apuesta muy alta, lanzarse con un álbum tan sincero»

    Trabajo, amplio recorrido, esfuerzo y buena música. La fórmula perfecta para que un proyecto funcione, para que eche a rodar, para que crezca, para que se expanda. El caso de LAVIDA es único. Pura energía y potencia, que viaja a través de las ondas, a lo más profundo de todos y cada uno de nosotros. Con un magnetismo brutal, nos han conseguido enganchar: ya no solo con su música (y con este debut homónimo), también con esa forma que tienen de hablar y de expresarse. Y es que la entrevista que les hicimos hace algunos días, no tiene desperdicio.

    ¿Cómo empieza LAVIDA en el mundo de la música?

    LAVIDA comienza cuando cuatro músicos deciden dar otra oportunidad a la música, esta vez sin complejos y sabiendo lo que más debíamos proteger, la libertad y poder compartirla con la gente que queremos.

    ¿Cómo surge el concepto de «LAVIDA», el álbum?

    Pues básicamente, al ser el primer álbum, nace de la idea central de la respuesta a la anterior. Es el resultado de ser lo más honestos posible con nosotros mismos, humildes a la hora de trabajar y sobre todo, de hacerlo mucho trabajo y mucha verdad.

    Este trabajo lleva unos meses en la calle, convirtiéndose en una auténtica revolución. ¿Cómo habéis vivido esta buena aceptación?

    Estamos realmente contentos y también sorprendidos. Era una apuesta muy alta tirarse a la piscina con un álbum tan sincero y personal, y cuando hemos visto la gran aceptación que ha tenido, la verdad, ha sido una buena inyección de combustible para seguir adelante con el proyecto.

    ¿Cómo fue grabar en Sandman Studios junto a Carlos Santos?

    Para algunos de nosotros era ya la cuarta vez. Estar en Sadman Studios es casi como estar en casa, aunque suene a tópico. Con Carlos y Alex todo fue sobre ruedas, les conocemos y les entendemos como ingenieros y ellos a nosotros como músicos, así es que fue todo rodado, en cinco sesiones, disco completo.

    ¿Cómo surgen las colaboraciones con Sean Marholm y Gabriel de la Rosa?

    Llevamos muchos años en la música y hemos conocido a muchísimos músicos, y cuando escuchamos esas dos canciones, pensamos en ellos porque sabíamos que les iban a ir como anillo al dedo, les invitamos y no se lo pensaron dos veces. Fue de lo más natural, lo más complicado fue cuadrar agendas, pero había predisposición e ilusión máximas, y eso creemos que ha quedado perfectamente reflejado en el resultado final. 

    «Funambulista» y «Modo Zen» fueron los adelantos de este trabajo, que vinieron acompañados de sus respectivos videoclips. ¿Por qué estas canciones y cómo surgen las ideas de los videoclips?

    «Modo Zen» supuso cierre de un ciclo y la apertura de otro, es el último tema que compusimos y con el que encontramos el equilibrio perfecto, y quisimos mostrarnos con él, para invitar a los oyentes a escuchar y entender todo el periplo hasta llegar a ese estado escuchando también el resto de canciones.

    Sobre «Funambulista», tuvimos la suerte de que Sean volviera a colaborar con nosotros en el directo de la presentación del disco en la Sala El Sol y nos encantó como quedó, pues además grabamos el concierto completo en vídeo, y con las imágenes decidimos hacer el videoclip. Creemos además que con ese vídeo la gente podrá ver como nos las gastamos y cómo funcionamos en directo.

    Al hilo de esto, ¿qué importancia tiene la imagen para LAVIDA? 

    LAVIDA es un todo, empezando por la música claro está, pero no dejando ningún detalle sin cubrir. Hemos tenido la suerte de tener una serie de artistas cerca (cada uno en su disciplina: ilustración, vídeo, foto…), que se han enamorado del proyecto y han querido aportar con su arte, formando un equipo perfecto, lo cual creemos trasciende en la sintonía alcanzada entre música, el artwork, las fotos, el vídeo e incluso en la manera de expresarnos a la hora de hablar del proyecto.

    ¿Y qué relevancia tiene para vosotros el mensaje en sí de las canciones?

    Muchísima, al fin y al cabo es sacar afuera lo que llevamos dentro. Pensamos que la musicalidad y la composición es muy importante, pero cuando va acompañada de una letra bien trabajada e interpretada con personalidad propia elevas la canción a un nivel mucho más alto. Tratamos de conseguir siempre en la composición de cada canción una armonía, un sentido y un equilibrio entre música, voces y letras.

    ¿De qué manera busca ese sonido tan propio LAVIDA?

    Dejamos que nuestras propias canciones nos hablen y guíen en dirección a su su propia sonoridad, intentando huir de modas pero sin dejar de atender a las nuevas producciones que nos llegan. Buscamos la sonoridad que nos pide cada canción para dotarlas de alma y personalidad propias, y eso se hace con paciencia, trabajo y un buen par de orejas «limpias».

    ¿Cómo es todo el proceso creativo y compositivo de la banda?

    Igual partimos de un riff de guitarra y lo desarrollamos en nuestro estudio, o de una melodía de voz que nos pueda sugerir un cadencia de guitarras o unos acordes y empezamos a trabajarlo. No hay una metodología clara ni cerrada, cualquier idea, provenga de quien provenga, merece una oportunidad, aunque la mayoría de las veces acaba en la carpeta de «Ideas Desechadas», somos muy autoexigentes en la composición.

    Tenéis más de 15 años de experiencia en la música, pasando por otras formaciones. ¿Cómo habéis evolucionado desde entonces?

    Algunos incluso 25 [risas]. Pues la evolución ha sido natural. Somos gente que nos gusta la música en general, cualquier estilo, siempre y cuando tenga algo interesante que mostrar. Nuestra evolución ha ido en paralelo como músicos y como personas, madurando y perfeccionando a la vez que nos quedábamos con la esencia de cada experiencia, haciéndolo fácil aunque en algunos casos no lo sea. 

    ¿Y cómo creéis que ha cambiado la industria musical?

    Música y sociedad cambian a la par. Vivimos en la era de las redes sociales, el impacto ha sido brutal a todos los niveles, en la forma comunicarse, de relacionarse, e incluso de consumir o comprar. No se le pueden poner puertas al campo, y te adaptas o caducas, y la industria no ha tenido más remedio que hacerlo, para bien y para mal. Con sus virtudes y sus defectos, solo hay que entender esa evolución y utilizarla a tu favor, pero al final, para el músico, que es lo que somos nosotros, lo importante debe ser la materia prima de la que se nutre esa industria, la música, componer y  hacer buenas canciones, disfrutar haciéndolas, compartiéndolas e interpretándolas en directo.

    ¿Consideráis que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?

    La forma de consumir música ha cambiado, ahora se acude a YouTube o a las playlist de Spotify. Está claro que el concepto «disco», atendiendo a esta forma de consumir música, puede que tenga menos sentido. Sin embargo seguimos apreciando el conjunto de una obra: el disco, pues creemos que contextualiza una canción, aunque solo sea a nivel conceptual, y cobra todo su sentido dentro de esa obra, aunque vayas lanzando, como estrategia comercial, canción a canción. Llámanos románticos, pero nos encanta el renacer del vinilo, aunque sea una moda. Larga vida, spin the black circle.

    ¿Cómo veis la nueva escena musical emergente?

    La escena con mayor calidad de la historia de este país, así de sencillo. Ni los 60, ni los 70, ni la Movida Madrileña, ni nada. Ahora hay muchísimos músicos con unos niveles de conocimiento, tanto del instrumento como a nivel técnico, muy, muy altos. Y ya si hablamos de producción, ni te cuento. Están apareciendo verdaderas joyas, incluso algunas probablemente ni saldrán del ordenador en la habitación del artista. La tecnología también tiene cosas buenas.

    Próximos pasos de LAVIDA.

    Ahora mismo estamos cerrando la gira 2020 y empezaremos en enero con ella. De ahí en adelante, bastantes conciertos, algunos de ellos en festivales, pero no podemos anunciar fechas hasta que las promotoras lo hagan aunque nos muramos de ganas, pero en breve tendréis noticias y las anunciaremos todas en nuestros perfiles de redes (@lavidasomos).

    Por otro lado, en breve publicaremos un nuevo tema junto a su videoclip. Estad atentos, porque creemos que va a sorprender mucho.

    ¿Cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?

    Condicionar TOTALMENTE nuestras vidas en TODOS sus aspectos. Maravillosa y verdadera locura. De ahí nuestra bandera, nuestro lema, nuestro hashtag, incluso nuestra web: LAVIDAESMUSICA #lavidaesmusica www.lavidaesmusica.es

  • Correos: «Terapia Terapia es un compendio de todo lo que hemos hecho»

    Correos: «Terapia Terapia es un compendio de todo lo que hemos hecho»

    Tras una breve pausa, necesaria para la banda, Correos regresa con nuevo trabajo bajo el brazo. «Terapia Terapia» llega para curar y cerrar heridas. En este deceso, han pasado demasiadas cosas por las vidas de los miembros de la banda. Pero vuelven con más energía que nunca.

    Hace unos días, Fermín Bouza, vocalista de Correos, nos estuvo contando todos los detalles que envuelven este nuevo trabajo.

    ¿De qué manera surge el concepto de este «Terapia, Terapia»?

    Surge de un momento personal, tanto a nivel particular, como a nivel de banda. Veníamos de una gira muy larga y cansada, con el trabajo anterior «Seres». Dimos muchos conciertos en España y en Latinoamérica. Entonces, hay un momento en el que necesitamos una pausa. Entre esas cosas, sufro un momento muy traumático con la muerte inesperada de mi padre. Así que utilicé las letras de este disco, un poco como terapia personal.

    A nivel grupal, empleamos el disco para reunirnos en el local de manera desenfadada. Como vía de escape a la rutina, a la gira y al trabajo de oficina. Necesitábamos liberarnos, experimentar y olvidarnos de la rutina de la que veníamos. Así que para nosotros fue terapia, terapia. Terapia de la buena.

    ¿Una doble terapia?

    El título es un poco, como si dijeras: «Esta chupa es de cuero, cuero. De cuero, pero del bueno». «Terapia, terapia».

    El disco fue auto-producido por vosotros mismos. ¿Por qué apostar por ello?

    Yo me dedico a la producción, es mi trabajo. Había producido a otros artistas, pero nunca lo había hecho con mi propio proyecto. Siempre he estado involucrado en la producción de todos los discos de Correos, pero en esta ocasión, digamos que he cogido más las riendas. Y me he apoyado un poco en José Caballero, que fue el productor de nuestro anterior disco. Esta vez, nos ha dado apoyo como ingeniero de sonido, buscando un poco el sonido que buscábamos.

    Imaginamos que, de todos modos, no será lo mismo producir para otras personas que para uno mismo.

    No es exactamente lo mismo, pero para mí el trabajo es similar. Hago unas pre-maquetas, estructuro las canciones, las pruebo con la banda, compruebo qué funciona y qué no, las vuelvo a estructurar, hasta que obtengo un producto que funcione y sea cómodo. Entonces cuando alcanzo ese nivel, está preparado para ir al estudio. En este caso, hemos transportado las sesiones desde mi ordenador hasta el del estudio. Solamente hemos grabado encima los instrumentos.

    «No se apaga» y «El Último Verso» fueron los primeros singles. ¿Por qué escogerlos?

    Cuando trabajas en esto, cuentas con un equipo extenso tras de ti. Nosotros, por ejemplo, contamos con la opinión de Warner, con la opinión de nuestro mánager, de nuestro equipo de sonido, de los propios miembros de la banda y de la gente de nuestro entorno. Hicimos un sondeo y, al final, nos dimos cuenta de que había tres o cuatro canciones que llamaban mucho más la atención. Y establecimos una estrategia.

    Precisamente, en «El Último Verso» colabora Gabriel de la Rosa (Shinova). ¿Cómo surge esta colaboración?

    Es muy natural, porque somos bandas amigas y coincidimos mucho. Este tema, encima, es un tema muy lírico, que pega muy bien con la voz de Gabi. Así que la mandamos la maqueta, le gustó mucho y vino a hacerla. Fue muy fluido y natural.

    ¿Cómo definirías este disco en dos o tres palabras?

    En dos o tres palabras, imposible. Pero sí que os puedo decir que «Terapia Terapia» es un compendio de todo lo que hemos hecho hasta ahora. Todo lo que la banda toca y todo lo que la banda es, está resumido en este trabajo. Encima es muy curioso, porque cumplimos 10 años como banda y este disco tiene 10 canciones. Una por año. Y estos temas responden a la identidad de la banda.

    ¿Y de qué manera refleja este disco la evolución de la banda?

    Me reitero en lo que he dicho. Más que marcar una evolución, recoge todas nuestras identidades, en las que al final nos reflejamos. Este disco es lo que te vas a encontrar de la banda cuando nos presentemos. Es una especie de resumen de toda nuestra identidad. Hay rock bailable, hay temas líricos, hay temas petardillos, canciones post-punk, hay sentido del humor oscuro y socarrón, hay metafísica, hablamos de la vida, la muerte y la sociedad.

    Tomando todo esto como base, ¿qué pesa más: melodía o letra?

    Va todo de la mano, en realidad. Una canción no es un poema. La letra no podría funcionar igual sin la melodía. Podría funcionar, pero de otra manera. Una letra sin melodía, no funciona de la misma forma, ni transmite las mismas cosas. Al final, todo es una compilación.

    Hablabas también de la variedad musical de este disco. ¿Es una manera de huir un poco de las etiquetas?

    Sí, aunque en realidad no nos hace falta, porque tenemos un sonido muy particular y personal. Prácticamente, cualquier cosa que toquemos, suena a Correos. Además, no hemos tenido que trabajar este punto, porque se ha dado de manera natural. Sonamos a Correos. Toquemos el palo que toquemos, el timbre de la banda es identificable. Así que no necesitamos ponernos límites en este sentido.

    El disco lleva unos días en la calle, ¿cómo han sido las primeras reacciones?

    Pues estamos acojonados, porque estamos agotados ya en más de la mitad de los establecimientos en los que el disco se vende. Estamos top 1 en ventas en muchos de estos lugares. Por supuesto, no nos lo esperábamos, porque sabemos lo complicado que es vender discos. Y no creíamos que esta vez fuera diferente a la de otros lanzamientos. Aunque la ilusión siempre estaba. Pero nos están llegando noticias de «agotado, agotado, agotado». Así que estamos ilusionados, pero acojonados.

    A partir de este momento, ¿cuáles son los siguientes pasos de Correos?

    Este verano tenemos alguna cosita, no hay mucho recorrido porque el disco acaba de salir ahora. Pero sí que tenemos cerrado el Festival Gigante, en el que daremos un concierto memorable para nuestra gente de Guadalajara. Tenemos también algún otro festival, que todavía no puedo confirmar. Y luego en invierno, nos embarcaremos en la gira por salas, con la que trataremos de recorrer el máximo territorio posible. Luego volveremos a México, con tres cosas muy importantes que tenemos allí. Tenemos muchas ganas de ver a nuestros fans mexicanos, porque son lo más.

    ¿Hay mucha diferencia entre el público de Latinoamérica y el de España?

    Una «sobrá». No digo público latino, porque no conozco al público latino. Digo el mexicano. En México hay un respeto y un fervor por la música, increíble. Como les gustes, se prenden y hay un feedback impresionante. Y los conciertos se convierten en otra historia, se convierten en una fiesta. Así que nosotros estamos ansiosos por regresar allí y darlo todo con nuestros fans. Y de sumar nuevas experiencias con nuestros amigos y nuestra familia mexicana.

    Luego ya regresaremos, cerraremos la gira por salas y, de cara al año que viene, nos centraremos en festivales.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    Podría contar tantas. Ya no cosas que hayamos hecho nosotros, si no cosas que nos han pasado. Por contar, nuestras furgonetas siempre han sido tartanas de segunda mano, no, de octava. Recuerdo una vez que tocábamos en La Almunia de Doña Godino y no nos entraba la marcha. Era fin de semana, así que no había ningún taller abierto. Pero contactamos con un mecánico del pueblo, que nos enseñó a hacer una «ñapa» con unas bridas. Aprendimos a meter la mano por el motor y atar una brida. Y estuvimos así durante años.

    Luego, otra vez, se nos rompieron los limpiaparabrisas tras una granizada. Y nos enseñaron a lustrar los cristales de la furgoneta, con almidón de patata. Así que íbamos a todos los festivales con un saco de patatas. Lo curioso venía cuando los «backliners» nos aparcaban el coche y nos decían: «Todo muy bien, chicos, pero ¿por qué lleváis un saco de patatas?». Y había que contar la anécdota de la patata, que ya es un clásico.

    Y como estas anécdotas, miles. La carretera es muy dura y hay que estar preparado para ella. No todo el mundo lo soporta. Son muchas horas de viaje, de cansancio, de esperas. Y no siempre estás de ánimo para afrontarlo, porque a nosotros también nos pasan cosas, llegamos tarde o se nos mueren personas de nuestro entorno.

    ¿Y qué os motiva a seguir cuando todo eso sucede?

    Salir al escenario. Ese es nuestro gran premio. El resto de cosas que lo rodean, son secundarias. Aunque sean muy tediosas y duras: llegar a los sitios, hacer promo, estar en la prueba de sonido, hablar con la gente, esperar. Todo eso solo cobra sentido cuando salimos al escenario. El día que no pase eso, cerramos el «chiringuito» y no hay drama.

    Esta es la playlist de Correos

  • Sienna: «Trágico y Fugaz es crítica, sexo y relaciones»

    Es joven, aunque a sus espaldas lleva ya un trabajo publicado. Con apenas 25 años, Sienna llega a Madrid, con la clara intención de hacernos sentir muy adentro su «Trágico y fugaz». Esta noche a las 21.00 horas, en Costello Club, el valenciano presentará este nuevo disco.

    ¿Cómo nace «Trágico y fugaz»?

    «Trágico y fugaz» nace de un EP anterior, que se llama «Épico y Mortal». Este EP surgió durante la etapa en la que vivía en Madrid. Pero en este trabajo no había ninguna canción que se llamara «Épico y Mortal», pues para mí no había llegado todavía el tema más épico. Sin embargo, cuando lo compuse, estaba tan alejado de ese EP anterior, que para mí ya formaba parte de una nueva aventura, llamada «Trágico y Fugaz». Fue entonces cuando empecé a sacar más canciones del cajón y empecé a vivir ese proceso de introspección que supone la creación de un nuevo trabajo.

    ¿Cómo vivir ese proceso de introspección del que hablas y dónde acudir cuando la inspiración falla, a la hora de componer?

    Creo que lo más importante a la hora de componer, es encontrarte a ti mismo. A mí me costó mucho. A ver, tengo 25 años y todavía no sé quién soy, ni hacia dónde voy. Pero sí que es verdad que tiempo atrás, todavía sabía menos lo que quería y cómo lo quería. Así que en ese proceso de introspección, hay que buscarse mucho dentro, conocerse y aprovechar el error, sobre todo. A partir de este momento, todo fue más fluido.

    Una vez viviendo en Madrid, llamé a mi familia porque me sentía perdido. Pero al final, me di cuenta de que si entre dos opciones, eliges la más fácil, nunca vas a hacer lo que quieres. Por eso volví con más fuerza que nunca y con las cosas más claras: quería seguir con el proyecto y quería crear una imagen fuerte como Sienna.

    ¿Dónde está, entonces, la frontera entre Sienna y Álex?

    Yo creo que no la hay. Sin música, yo no sería como soy, ni tendría el carácter que tengo. Pero sí que es cierto que para este proyecto, quise eliminar el Álex y ser Sienna. Quería que el público viera que la obra tiene un principio y un fin, sin que visualizaran al cantautor que está detrás. En definitiva, que no vieran si detrás hay banda o no. Que simplemente entendieran la música como una obra en sí misma.

    Definición de «Trágico y Fugaz» en dos o tres palabras.

    Crítica, sexo y relaciones.

    ¿Etiquetar o no la música?

    No, no soy partidario de hacerlo. Es el típico tópico. Pero es lo que hemos hecho con este disco, quitar el Álex para que la gente no etiquete, sino para que vea la obra en sí misma. Evidentemente, a veces las etiquetas son necesarias y el ser humano tiende a clasificar absolutamente todo.

    Aun así, han «clasificado» tu música como indie-pop. ¿Qué piensas de la escena indie actual?

    Creo que se ha extrapolado mucho. ¿Qué es indie y qué no lo es? Al final, o te mola o no te mola: ya sea pop, heavy, rock o lo que sea. Y la música que está hecha con calidad, mola.

    También han dicho que este disco desprende «sensibilidad, poesía y talento». ¿Qué piensas de esta afirmación?

    Hablar de uno mismo cuesta mucho. Sensibilidad sí que hay, porque ese es el resultado de hacer las cosas sintiéndolas. En cuanto a la poesía, no sé qué entenderán por eso, pero este disco se ha hecho sin pretensiones.

    ¿Cómo fue la experiencia de compartir uno de los temas con Gabriel de la Rosa, de Shinova?

    Fue genial, aunque no llegamos a coincidir en la grabación. El tema se grabó inicialmente con mi voz, sin colaboración. Pero después, a través de la discográfica, se dio la oportunidad de hacerlo con Gabriel de Shinova. Él ya conocía mis temas, los seguía por Spotify. Por supuesto, dije que sí sin pensármelo, porque creo que tiene una voz muy particular y con mucha personalidad.

    Tras los primeros contactos con él, le pasamos la armonía y los detalles de cómo queríamos la canción, y lo pilló enseguida. Y cuando nos pasó su parte, la grabamos.

    Ahora estamos deseando juntarnos los dos encima del escenario.

    A nivel de escuchas, el disco ha sido una auténtica revolución en Spotify. ¿Qué supone para ti esta noticia?

    Fue brutal, porque hace nada llevábamos 10.000 oyentes mensuales. Y ahora tenemos unos 17.000. Recibo menciones de gente que no conozco, con mensajes muy positivos. Es un impulso, realmente. Por eso es importante seguir trabajando y que las escuchas crezcan. Ahora somos unos desconocidos y estamos en proceso de crecimiento.

    ¿Cómo afrontas la presentación de esta noche?

    Con nervio, con responsabilidad y con ganas de hacer las cosas bien. Al final estás muy expuesto a la crítica y a la opinión, no solo de los medios. Y obviamente, quieres que el disco esté bien llevado al directo: que sea dinámico, que tenga fluctuaciones. Hay que llevar esa magia de la composición al directo.

    Siguientes pasos de Sienna, tras la presentación de hoy.

    Estamos cerrando fechas en Barcelona, Bilbao, Mallorca. Seguramente también hagamos el ciclo de FNAC. Pero todo ello está todavía por confirmar.

    Por cerrar la entrevista: ¿qué artistas suenan en tu coche cuando estás de gira?

    Principalmente, los siguientes: James Vincent McMorrow, Matt Corby, Vetusta Morla, Carmen Boza, Miss Caffeína, Supersubmarina, Siloé o Shinova, entre otros.


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