Con un amplio recorrido en Virginia & The Wolf, el artista y compositor asturiano Antonio Irún inaugura una nueva etapa profesional en solitario, que viaja en paralelo a su banda. Una propuesta que, siguiendo una línea musical de lo más diversa y variada (folk, canción de autor de los 70’s, ountry, pop rock y krautrock), también nos muestra la faceta más íntima y personal del creador. Una propuesta que ha tomado la forma de «La cara norte», su gran álbum debut. La mejor manera de ir recontrándose con una misma, la mejor manera de transitarnos por dentro. Con estas 7 canciones maravillosas, llamadas a convertirse en himnos.
Un disco que se plantea como un viaje de carretera, que comienza en lo alto de una montaña y que va descendiendo, poco a poco, a un pueblo. Un viaje que también explora el contraste entre los vínculos familiares: de la estampa familiar en la que las mujeres son las matriarcas y dan ese calor emocional que necesitamos, hasta el propio estudio de las relaciones de poder ante figuras de autoridad masculinas. Y de la sangre, se pasa al amor romátinco, a lo que pudo haber sido y no fue, a lo que hoy toca ver desde la propia aceptación. Imposible salir indemne tras este cúmulo de emociones, tras estas canciones que han sido producidas por Germán Mingote en House of Light Studio, ubicado en Oviedo.
A partir de este punto, lo que suceda queda pendiente del azar. Al menos hasta cierto punto. La verdad, es que nosotras preferimos dejarnos llevar, preferimos dejarnos atravesar por todas y cada una de estas canciones. También nos quedamos con la entrevista que le hicimos hace algunos días a Antonio Irún. ¿Quién mejor que él para que nos explique cómo saltó la chispa de este álbum? ¡Te lo contamos todo!
Es un espectáculo de hombre y de artista, vaya donde vaya y haga lo que haga. El fenómeno de Rodrigo Cuevas es completamente imparable e increíble, pero es que en directo rompe con todo tipo de barreras. Porque se supera. Porque tiene un talento fuera de serie. Porque tiene un don y una gracia naturales, capaces de atraparte. Porque es magnético y sabe que sus conciertos son pura adrenalina. Porque entiende a su público, da lo que quiere y no pierde ni un ápice de su esencia tan sumamente genuina. Él ha llegado para revolucionar la escena musical de arriba a bajo, a base de folclore, reivindicación, sinceridad y naturalidad.
Así es como logró cautivarnos el pasado viernes 22 de marzo en Barcelona, en el espectacular show de presentación de «Manual de Romería», que tuvo lugar en el Gran Teatre del Liceu y en el que colgó el cartel de «entradas agotadas» poco después de anunciar el concierto. Una noche que se quedará para siempre grabada en nuestra mente y en nuestro corazón, por la cantidad de cosas que allí experimentamos. Empezando por esa magnífica entrada de Rodrigo Cuevas: desde el público, a través del pasillo central del teatro y acompañado por todo su cuerpo de baile. Una entrada por todo lo alto, para un artista por todo lo alto. Todo, mientras sonaban los primeros acordes de «Más animal». Un inicio apoteósico, para un concierto que lo fue todavía más. Y es que verlo «Allí arribita» fue uno de los momentos más impactantes de nuestra vida. No faltó nada en esta cita en la «Arboleda bien plantada», donde hubo tiempo para bailar un buen «Valse» e incluso para redescubrir «Casares». Sin olvidarnos de ese imprescindible himno que es «Bypa» y que el asturiano interpretócon María Arnal, que estaba camuflada en las primeras filas del anfiteatro.
Como no podía ser de otra manera, también miramos al pasado con retrospectiva y viajamos sin darnos cuenta a «El día que yo nací», cantando a pleno pulmón «Dime, ramo verde» o «Verdiciu». Aunque si hubo un momento en el que se cayó el estadio por completo, fue cuando comenzó a sonar «Cómo Ye?!». Momento ideal para levantarse de las butacas y disfrutar de lo poco que quedaba de concierto completamente de pie, dándolo todo con canciones como «Xiringüelu», «Veleno» y «Matinada (Resaca)». Justo en ese momento en el que todo parecía que acababa, el público reclamó a Rodrigo Cuevas de nuevo y, siguiendo los gritos de «otra, otra», apareció nuevamente en el escenario para la mascletà final. Todavía quedaban por cantar «Rambalín», «Muiñeira para a Filla da Bruxa» y «Romería».
Un día que volveríamos a repetir en bucle, no sólo por la experiencia musical que supone ver a Rodrigo Cuevas. También por su reivindicastivo y necesario discurso, por esa chispa vital que transmite, por su espontaneidad, por su puesta en escena, por esa banda y esos bailarines que lo acompañan. Por todo lo que él representó, representa y representará. Nadie más necesario que él en esta cambiante y voraz industria de la música, que no deja de necesitar a agitadores culturales como él.
Cuando, de repente, «Todo arde» solo nos queda una opción: acudir a Drugos y refugiarnos de lleno en su música. Descubrir desde dentro todas y cada una de las canciones que forman parte de este segundo trabajo discográfico de la banda asturiana. La mejor manera que han tenido de demostrar su evolución y su crecimiento. La mejor manera de seguir demostrando que son más ellos que nunca: con un rock que atrapa y que, contra todo pronóstico, siempre demuestra que la vida tiene su parte positiva, su parte alegre. Aunque todo a nuestro alrededor esté completamente ardiendo, siempre hay una salida. Y es que, ¿qué es la vida si no es esto?
Tras haber debutado el pasado 2022 con su primer disco «Amor o Dinero», presentarlo en las mejores salas del país (El Sol, Galileo, Moby Dick, Siroco, Libertad 8, La Salvaje o el Náutico de San Vicente) y pasar por festivales como el Metrópoli, los asturianos afincados en Madrid, han dado un paso al frente. ¿Y qué mejor manera de hacerlo con un nuevo álbum y tratar de superar todo este cúmulo de aventuras? Con esas grandes dosis de guitarra eléctrica, baladas y sentidas arrancadas latinas y flamencas; la banda promete ofrecer los mejores directos hasta la fecha: energía y potencia a partes iguales, que cautivan a cualquiera que tenga el placer de escucharlos. Tal es así, que estamos deseando que continúen con su gira por el Teatro Albéniz de Gijón (30 de diciembre), La Ley Seca de Zaragoza (19 de enero), la Cotton Club de Bilbao (20 de enero), la Sala Razzmatazz 3 de Barcelona (27 de enero), la Sala Galileo Galilei de Madrid (2 de febrero) y la Sala Cientocero de Valladolid (10 de febrero).
Eso sí, mientras este gran momento llega y deseamos que llegue el momento del directo, os dejamos con la entrevista que le hicimos a la banda hace algunos días. Esto es lo que Drugos nos contaron sobre su proyecto musical.
«¿Conoces esa sensación de llevar siempre una máscara para agradar a los demás? Esa lucha constante de egos que desplaza tu autoestima dejándola en un segundo plano». De esta manera define la banda asturiana Los Acebos de qué trata su canción «Cuchillos». El primer tema que han publicado hasta el momento, la primera pieza del que será su nuevo e inminente trabajo discográfico «Puntos de vista». Un sencillo que se adentra en cómo las envidias tratan de destruirte constantemente y de cómo la comparación con el resto de personas de esta sociedad te va minando poco a poco. Un tema eléctrico de principio a fin, con algunas notas nostálgicas, pero que es capaz de mantener ese equilibrio perfecto entre a energía y la tristeza, ese sube y baja que refleja lo que la vida es.
La primera avanzadilla de todo lo que llegará por delante en forma de álbum y que, en realidad, no deja de girar alrededor de este mismo concepto: analizar todas las perspectivas que nacen de una misma situación y dar visibilidad a esa lucha por encontrar una motivación y sobrevivir a la montaña rusa emocional que podemos llegar a vivir día a día. Es por eso que «Cuchillos» podría decirse que es el alma del proyecto. Con un principio que te engancha y un giro final inesperado, que deja claro que esta canción va a ser un gran single de este primer álbum. Así que imaginad, si con apenas una canción en la calle, han sido capaces de dejarnos con la miel en los labios, ¿qué más se puede esperar del resto del álbum? Nosotras no podemos estar más ansiosas y emocionadas por descubrirlo. Aunque preferimos que sea la propia banda quien nos dé todos los detalles sobre el proyecto musical. Ellos son Los Acebos y hablamos, tanto de «Cuchillos» como de «Puntos de vista».
Pertenece a esta nueva ola de pop-rock, de música sin filtros y sin etiquetas. Freddie Flowers llega para quedarse, con una canción tan único y especial como es «Ya no». Un cántico a la desesperada, una declaración de intenciones, una manera muy clara de decirte sin rodeos que no está dispuesto a aguantar más en una relación tan destructiva. Un himno que, de ahora en adelanto, todos deberíamos tatuarnos, no solo en la piel, también en la mente.
Un pequeño gran viaje que el artista asturiano comienza con esta canción, el inicio de una nueva era en la que ha estado acompañado por Sebastián Borromeo a la producción, Fernando Montesinos con los arreglos y Felipe Guevara a las mezcklas; y que culminará dentro de muy poco tiempo, con la llegada de su primer EP, que llevará por título «El fin del mundo». Un trabajo en el que nos contará, a través de diversos capítulos, todo lo que puede suceder en 24 horas de locura desenfrenada y de amores con fecha de caducidad.
Si bien es cierto que hemos descubierto a Freddie Flowers hace muy poco tiempo, a raíz de este último single y de todos los que fue publicando a lo largo y ancho de 2021. Sin embargo, su carrera musical viene de atrás. Y es que desde bien joven ha formado parte de bandas como Mandala o Gethere, además de haber inaugurado un proyecto en solitario previo, bajo el nombre de F. Ahora, totalmente reconvertido, se dispone a seguir enamorando con su música a todo aquel que se digne a escucharlo. Una auténtica locura lo de este joven y talentoso artista. Una auténtica locura que nosotras hemos podido captar mínimamente, gracias a una pequeá charla que tuvimos hace algunos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contó? Pues solo tienes que darle al play y disfrutar.
No sabríamos decir exactamente cuándo los descubrimos. Probablemente fuera cuando debutaron con su primer trabajo llamado «Singularity» (2018). Poco después llegó el turno de su EP, «Kid Stuff» (2019). Y ahora, lo han vuelto a hacer. Staytons regresan por todo lo alto y lo hacen con su nuevo trabajo discográfico, su segundo álbum, «Lo que siempre has querido». Un disco con el que rompen completamente con la dinámica actual, un disco con el que comienzan a experimentar con nuevos sonidos e incluso con nuevos idiomas, un disco que tenemos totalmente en bucle, un disco que ha llegado como un bálsamo en estos tiempos complicados. Y es que no deja de ser el mejor reflejo de lo que los asturianos son: un grupo de jóvenes que han perdido el verano de su juventud en el invierno de la pandemia, pero que a pesar de todo no se han rendido. Por fortuna, existe la música. Existe su música.
Un disco de tribu en un mundo de solistas. Un disco que supone el segundo larga duración en la carrera de los asturianos y que fue grabado durante 2021 en dos tandas en la enorme sala de OVNI Estudio (Llanera) con Igor Paskual y Dani Sevillano como productores. Como resultado, tenemos once instantáneas que hablan de querer y no saber; de buscar y no encontrar. Y, a pesar de todo, de seguir queriendo. En definitiva, una pequeña obra de arte que no hace más que asentar a Staytons como una de las grandes esperanzas de nuestra emergente (y no tan emergente) escena musical. ¡Qué suerte que formen parte de ella!
Es por eso que, en medio de tantas novedades recientes, sentarnos a hablar con ellos ha sido una verdadera maravilla. Y es que, podemos hablar largo y tendido sobre la banda y este disco. Pero, ¿quién mejor que Staytons para darnos todos los detalles al respecto?
Desde el mismo momento en el que los escuchamos por primera vez, sentimos un flechazo con Drugos. Y es que tienen un talento innato, natural. Además de muchísimas ganas de hacer ruido y de abrirse un hueco en nuestra fructífera escena musical. Tal es así, que acaban de publicar su álbum debut, «Amor o dinero». Primer larga duración tras dos EPs de estudio y uno en directo, la banda gijonesa se ha estrenado y se ha mostrado sin pudor en este trabajo discográfico conformado por doce canciones eclécticas y con estilo. Solo ellos han sabido cómo pasar, a la perfección, del rock más cañero («Puntos cardinales» o «Piedad») al blues («Judas» o «Si no salgo de esta»), del pop melódico («Croquetas» o «Vuela») a la música latina incluso («Tus lunares»). Pero claro, todo ello, cantando el castellano e incluyendo diferentes notas de humor en sus letras. Esa es la verdadera esencia de la formación. Y eso es lo que más nos gusta de ellos.
Ahora, con este primer álbum en la calle, llega el ansiado momento de presentarlo en directo. Tal es así que ya tuvieron su primera toma de contacto con el público madrileño el pasado 4 de febrero (Galileo Galilei), con el santanderino el 10 (Rock Beer The New) y con el bilbaíno el día 11 (Sala Shake). Por el momento, solo les queda una última fecha: el próximo 25 de febrero en La Salvaje de Oviedo. Sin embargo, estamos más que seguras de que esto es tan solo el principio. Y que este 2022 vendrá cargado de nuevas fechas para Drugos. Fechas aún por confirmar. Fechas en las que habrá aún mucho «Amor o dinero» por repartir.
Y en medio de tanta novedad, hemos tenido la enorme oportunidad de hablar con la banda de Gijón. Sin miedo alguno, Drugos se han atrevido a responder todas y cada una de las preguntas que teníamos preparadas para ellos. ¿Quieres saber más? Pues, sencillamente, dale al play.
En muy poco tiempo se ha convertido en una de las grandes promesas de la música. Ya lo demostró con «Me mentiste», canción con la que la descubrimos y gracias a la cual la entrevistamos. Ella es Lydia Carré, y está de vuelta para hacernos sentir un increíble «Vértigo», su recién estrenado single. Un tema que habla de esa ansia de romper con todo, arriesgar y confiar siempre en una misma al más puro estilo pop rock. Un tema que es sinónimo de cambio vital, lleno de incertidumbre y miedos, pero también fuerza y garra. Un tema que muestra toda la magnética y potente personalidad de la joven artista asturiana.
Así es como Lydia Carré da un paso al frente en su carrera. Pero lo hace siempre escoltada por un equipo de escándalo. Y es que, al igual que en sus trabajos anteriores, ha estado acompañada por el director Juan Ewan, que se ha puesto al frente de este especial videoclip, grabado en la Asturias natal de la artista. Un increíble grupo al que se han unido también sus compañeros Carlos Ares, Flavio, Gèrard, Vicco, Noan y Khotton Palm, en todo lo que respecta a la creación y composición de «Vértigo».
Imparable y con unas ganas tremendas de comerse el mundo. «Quédate conmigo», «Me mentiste», «Plan B» y «Fluyo». Unas primeras composiciones a la que se ha sumado esta última. «Vértigo» continúa a la perfección con esa mágica estela que Lydia Carré ha comenzado a dejar tras de sí. No es para menos. Derroche de estilo y de inconformismo, marcado por influencias musicales como Pixies, Nirvana, Olivia Rodrigo o Billie Eilish, pero con una identidad única.
Nosotras ya nos hemos metido de lleno, y de manera irremedible, en su particular universo sonoro. La pregunta es: ¿os atrevéis a hacerlo también vosotros?
Juventud y talento a partes iguales. Un torrente de voz y una capacidad de emocionar increíbles. Hace algunas semanas que conocimos a Lydia Carré y, desde entonces, ya no queremos salir de esa órbita que ha generado en torno a ella. Ha sido suficiente con «Quédate conmigo» y «Me mentiste», los dos temas que nos ha presentado hasta ahora. Dos temas con los que se asegurará una plaza entre las jóvenes grandes promesas de este 2021. Dos temas a los que se unirán muchos más a lo largo de este año.
Y es que si algo caracteriza a la jovencísima artista es su energía y seguridad, capaz de al sonido grunge de los 90s de bandas como Pixies, Nirvana o The Smashing Pumpkins. Pero todo ello, sin dejar de lado otros artistas más tontemporáneos como Beabadobee o Girl in red. Una coctelera de influencias que la están comenzando a hacer despuntar, haciendo que su voz quiera ser una de las más escuchadas del panorama emergente. «Quédate conmigo» y «Me mentiste», tema que ha supuesto un punto de inflexión, han sido las dos primeras demostraciones de ello. Pero es que a través de sus redes sociales, Lydia Carré continúa dando pistas de lo que está por llegar, y parece que se avecina nueva música. No sabemos vosotros, pero nosotras no podemos estar más ansiosas.
Aprovechando el talento que está derrochando en estos momentos Lydia Carré, aprovechamos para sentarnos cara a cara y charlar con la joven artista asturiana. Fue ella quien nos presentó su proyecto y nos dio alguna que otra pista sobre los que serán sus próximos pasos. Una propuesta musical, que es una auténtica joya, por lo que es parada obligatoria escucharla. Por el momento, os recomendamos que le deis al play y que disfrutéis de esta pequeña gran entrevista.
Soñar y luchar por lo que se quiere, con la entereza, convicción e inocencia con la que la haría un niño. Sin reprimirlos, sin obviarlos y queriendo dejarlos salir. Todo eso es lo que nos evoca Amaia Valle y su dulce voz, cada vez que canta. Ese poder de los sueños que jamás debe pasar desapercibido. Con la fuerza con la que ella misma está cumpliendo su ilusión de dedicarse a la música. Una artista cargada de ilusión y calidad. Una artista que enamora desde el minuto 1. Y es que tiene una gran particularidad: una sensibilidad innata que hace que se gane al público desde el primer instante y que consigue que cada uno de nosotros hagamos nuestras sus canciones, desde los primeros versos.
Unos rasgos que segundo que vislumbraremos en el segundo trabajo de Amaia Valle en el que, actualmente, se encuentra trabajando. Un trabajo con el que seguro escala peldaños y con el que sorprenderá nuevamente a más de uno. Mientras tanto, podemos seguir disfrutando de su debut, «Tu dos por ciento». Un primer álbum formado por diez canciones auténticas con las cuales la artista, mitad vasca mitad asturiana, se muestra tal cual es. Canciones directas y personales, letras cuidadas y trabajadas. Todas ellas, creadas para ser escuchadas de principio a fin, en cualquier momento del día. Canciones sanadoras y repletas de luz.
Este «Tu dos por ciento» ha servido para que la artista pueda la brecha, ha sido el primer paso para que Amaia entre y comience a darse a conocer. Un trabajo en el que, además, ha estado arropada por un equipo de trabajo insuperable, formado por grandes artistas como Alex Ubago, Amaia Montero, David Bustamante o el propio Nek. Y es que, a pesar de ser el primer trabajo, le ha valido a la artista diversas nominaciones y premios, como el Premio Armas 2018 en la categoría «Mejor canción. Otras escenas». Un galardón obtenido con su primer single, «Abrázame».
Un disco que merece la pena ser escuchado. Un disco que deberíamos ir aprendiendo, para poder cantarlo luego en directo. Sí, amigos, y es que próximamente llegarán las primera fechas de conciertos, en los que podremos ver y sentir a la espectacular Amaia Valle, acompañada por Rubén Abel Pazos. ¡Mucha atención!
Si algo nos ha regalado Madrid es el haber puesto en nuestro camino a los chicos de Muñeco Vudú. Es curioso, porque ni ellos ni nosotros somos madrileños. Pero esa es parte de la magia de la música. Y de las ciudades grandes. Así y todo, lo único claro es que desde que los conocimos, supimos que eran especiales. Esa pasión por lo que hacen, el brillo en los ojos, esa manera de tratar con nosotros y, por supuesto, esos directos espectaculares.
Meses después, hemos tenido la oportunidad de volver a hablar con ellos. En este caso, hablamos con Ivo Pérez (voz y guitarra), a raíz de las sesiones en acústico que han iniciado («One Audio Take Sessions»), tras la salida de «Gravemente Ilesos».
A raíz de la publicación de «Gravemente Ilesos», ¿cómo surge la idea de grabar las sesiones en acústico?
La idea viene por varios frentes. El principal es que queremos tocar y queremos que se nos vea tocando, más allá de que entendemos que la industria te lleva directamente a grabar material para seguir estando en esta rueda. Pero para nosotros, la mejor manera era hacerlo de la forma más directa y arriesgada posible, más allá de hacer vídeos que no fueran estrictamente musicales.
Así que un día, hablando los cinco, se nos ocurrió hacer estas sesiones con una sola toma de audio, con un micro solo de ambiente. Y lo quisimos enfocar hacia lo acústico: queríamos hacer una versión más curva de las canciones, tanto de «Gravemente Ilesos», que fue por donde empezamos; como de nuestros trabajos anteriores. De todo ello, nos ocupamos nosotros: grabación, realización, producción del material.
Es una manera de darle otra perspectiva a las canciones.
Sí, eso nos gusta, porque somos una banda de música popular. No somos ni comediantes, ni ingenieros, ni médicos. Así que al final, creemos que la mejor promo es tocar y que nos vean hacerlo. Y si le damos ese giro autoproducido, de coste cero, es un punto de creatividad extra. Y nos ha parecido una buena idea el hacer esta serie de vídeos, que dan otro giro a las canciones.
Además cada sesión irá acompañada de su respectivo videoclip. Entiendo que en ese sentido, la parte gráfica y visual también es importante para vosotros.
Claro y más en estos momentos en los que redes sociales como Instagram tienen tanto peso. Al final en todas ellas prima o pesa la imagen, también porque vivimos en una sociedad muy visual. Y aunque la música no dejará de ser audio, también hay que adaptarse un poco a ello. Aunque nosotros no abandonamos la idea de seguir grabando estas sesiones acústicas en una toma, para que se pueda apreciar todo: lo que sale bien, las pequeñas imperfecciones, los pequeños fallos en notas, todo. Porque eso también ha sido parte de la música. Hay discos de los 70 en los que se aprecia eso: me viene a la cabeza «Hurricane» de Bob Dylan, que incluso el tempo se acelera en un momento de la canción y después lo recupera. Pero quizás las grabaciones eran mucho más orgánicas y sin determinados efectos.
Al final eso es algo que también pasa en los directos, donde no hay momento para parar o repetir si algo sale mal o hay equivocaciones.
A ese punto quería llegar yo, porque la idea parte un poco de ahí. Si la vida es imperfecta, si un humano es imperfecto, si un árbol es imperfecto, al final, es más real que la música también lo sea. En vez de dar solo una cara de ella, la cara buena y perfecta en la que todo sale bien. La música la vemos relacionada con las cosas buenas, pero también con las imperfecciones. Todo ello, da alma a una grabación.
El primer «One Audio Take Sessions Vol.I» lo hicisteis con «La calle de en medio». ¿Por qué precisamente esta canción?
Pues nos llamaba la atención porque todo este disco, «Gravemente Ilesos», está grabado con guitarras y batería muy potentes. Así queríamos un poco ponernos a prueba y comprobar si las canciones en acústico tenían el mismo empaque y la misma versatilidad. Hemos sustituido batería por cajón, las guitarras por acústicas e incluso una melódica, hemos introducido un banjo. Esa era una primera prueba. Además, nos gusto mucho tocar esa canción y tiene un significado importante. Eso nos ha dado alas para tocar otras canciones e incluso llamar a algún invitado, para darle una nueva perspectiva a los temas.
¿Y cómo está siendo la acogida?
En general muy buena. La verdad es que este disco nos está dando muchas alegrías y nos está dando alas. De hecho, seleccionaron «Antídotos (Para Andar Por Casa)» como Mejor Canción en los Premios A La Música Asturiana (Premios AMAS). Y también han optado por «Canción Para Mi Hermano» para la banda sonora de una serie, de «Allí Abajo». Son cosas que, en un tren tan complicado, estimulan y nos hacen seguir arriesgando.
¿Cómo estáis viviendo todos estos acontecimientos?
Pues con mucha ilusión, pero también con un poco de escepticismo o madurez. De hecho, con el primer disco nos dieron tres de esos premios, pero nos pilló también en un momento completamente diferente. Después de eso, han pasado varios años en los que no hemos dejado de trabajar y hemos tenido tanto frustraciones como alegrías. Vamos teniendo nuestras inseguridades y las vamos superando. Pero también hemos crecido. Así que estos hechos los recibimos con mucha alegría, pero también con prudencia y madurez. Nos lo tomamos muy bien, pero hay que comer.
Siguientes pasos de Muñeco Vudú.
Pues la verdad es que nosotros tenemos un poco la «filosofía Simeone», que es la de ir partido a partido, poco a poco. Estamos buscando cosas, cerrando, avanzando. Este verano, tenemos un par de fechas en Asturias. El 5 de julio, estamos en el Recinto Ferial de Llanera, y el día 6 actuamos en la Semana Negra 2019 de Gijón. Pero después del verano, no sabemos todavía mucho. Solo que queremos volver a Madrid. Además de que nos encantaría visitar el norte, desde Galicia, Navarra, la zona de Castilla y León.
En cuanto a material musical, aunque estamos pensando en cosas nuevas, nos gustaría seguir rodando con «Gavemente Ilesos», porque creemos que aún le queda vida. Así que seguiremos con él y continuaremos con las sesiones en acústico.
Hace un año veía la luz «Singularity», debut de los asturianos Staytons. Un primer trabajo que dio alas a la banda y ahora es cuando, justo cuando celebran esa primera vuelta al sol, lanzan su segundo EP: «Kid Stuff». Sí, cosas de niños que suenan muy a Fantastic Negrito, Alabama Shakes o Sam Cooke y en el que, además, se han atrevido a publicar su primera canción en español. Poca broma con ellos.
Hace algunos días, pudimos hablar con ellos y esto es lo que nos contaron, tanto de su disco nuevo, como de su proyecto. ¡No os la perdáis!
¿Cómo surge el concepto de este EP, de «Kid Stuff»?
«Kid Stuff» como EP surge como un adelanto de lo que estaba siendo la maduración de la banda, hablando de cosas pequeñas. Aunque después, irónicamente, se convirtieron en «cosas de mayores», no tanto de niños. Fue un avance del año que cumple nuestro anterior trabajo, «Singularity» y lo hicimos con la intención de mostrar un poco lo que estábamos haciendo en ese momento, y la exploración y madurez que estábamos experimentando. De ahí que lanzáramos estos cuatro temas, cada uno distinto y de «una madre». Además, nos decidimos a publicar nuestra primera canción en español.
¿Por qué atreverse con el español ahora?
Pues la canción la hicimos de una manera muy natural, igual que hacemos las canciones en inglés. Sí que es verdad que en nuestro background hay mucha música anglosajona, por eso tenemos la naturalidad de escribir las canciones en inglés. Y ahora estamos incorporando más influencias en español, así que nos vimos en el momento perfecto para que, de manera natural, surgiera esta canción, «Ciudad Habitual». Lo vimos como un movimiento lógico.
¿Será este el primer paso para sacar más temas en español?
Yo creo que sí. Vista la naturalidad con la que nos surgió este primer tema, no descartamos. Aunque no creo que ocurra el cambio total de la banda, desde el inglés al español. Porque es un poco el sello, la marca: ese sonido tan americano. Pero para nada nos importaría ser una banda bilingüe.
Un titular que defina «Kid Stuff»
Aunque se titule «cosas de niños», este disco es «cosa de mayores».
¿Cómo ha sido volver a trabajar con Igor Paskual en el tema de producción?
Ha ido muy bien: él ya nos conocía y nosotros a él también. Una vez conoces el modus operandi de la otra persona, trabajas de manera aún más fluida si cabe. Siempre ha sido una relación muy cooperativa, basada mucho en la conversación. Entendemos que también debe ser un trabajo complicado el estar con cinco personas completamente distintas y que piensan diferente. Pero Igor es un gustazo de persona.
«Old Fame» fue el primer adelanto de este nuevo trabajo. ¿Por qué precisamente este tema?
Fue muy difícil escoger, porque son cuatro canciones muy distintas entre ellas. Al final, nos decantamos por ella, por la continuidad que seguía con el trabajo anterior. Además, es una canción muy inmediata: empieza con la voz, la guitarra. Y tiene muchísima energía: este tema es el que más refleja el alma del single.
Hablas de lo distintas que son las canciones de este EP, que es algo que también pasaba en «Singularity». ¿Es ese precisamente el sello Staytons?
Yo creo que sí. O al menos me gustaría que lo fuese. «Singularity» fue nuestro primer trabajo, más tipo carta de presentación. Aún así sí que es verdad que es muy distinto: la primera y la última canción no se parecen en nada. Pero aún así, sigue como un proceso, un hilo que te lleva de una canción a otra. Al final, es inevitable que sean tan distintas, son el reflejo de cinco personas completamente diferentes, aunque tengamos rasgos o gustos comunes. Al final, en «Kid Stuff» creo que vuelve a quedar reflejado ese carácter polifacético de la banda. Nos gusta explorar en nuestros trabajos.
¿Cómo afrontáis ahora los nuevos directos de «Kid Stuff»?
Pues siguiendo un poco con nuestra obsesión por transmitir energía. Queremos ofrecer unos directos con muchos colores, pero enfatizando el ritmo y todos los elementos que den energía. Al final, se trata de mantener una conversación con el público: que lo pasen bien y que disfruten. Es importante tener ese contacto, ese feeling con ellos, es importante ponerse en su lugar.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
La mayor locura por la música, creo que es el decidir ponerse y sacar los trabajos adelante. El vivir de la música. Al final, este proyecto es una apuesta. Y nuestra máxima también es demostrar que en R&R es cosa de jóvenes.
